von Ulrike Schirm

DER MANN AUS DEM EIS

1991 fand eine Gruppe Bergwanderer am Tisenjoch einen mumifizierten Toten. Nach gründlichen medizinischen Untersuchungen stellte sich heraus, dass der Mann bereits mehr als 5300 Jahre tot war. Wahrscheinlich starb er durch einen abgeschossenen Pfeil, der ihn von hinten in die Schulter traf. Die Steinzeitmumie bekam den Namen Ötzi. Er war etwa 45 Jahre alt, muss wohl in verrauchten Hütten gelebt haben. Befund: Eine geschwärzte Lunge. Er litt an Arteriosklerose. Seine Muskeln waren stark ausgebildet.

Regisseur Felix Randau beschäftigt sich in seinem Film DER MANN AUS DEM EIS mit dem Schicksal dieses Mannes und versucht ungklärte Fragen zu beantworten.

In der deutsch-österreichisch-italienischen Co-Produktion wird die Steinzeitmumie nun zum Leben erweckt. Jürgen Vogel spielt Kelab, einen Anführer einer Sippe von Steinzeitmenschen, der die Ermordung seiner Familie ertragen muss. Er und seine Frau Kisis (Susanne Wuest) leben in einer jungsteinzeitlichen Siedlung in den Südtiroler Alpen, vor über 5300 Jahren. Alles ist friedlich. Eine Frau liegt in den Wehen. Rührend leistet Kelab der jungen Frau spirituellen Beistand, doch die Gebärende stirbt. Nach der Totenfeier wird das Neugeborene in einer traditionellen Zeremonie in der Gemeinschaft aufgenommen.Während Kelab auf der Jagd ist, wird die Siedlung von Krant (André M. Hennicke) und seinen beiden Söhnen Tasar (Sabin Trambera) und Gosar (Martin Augustin Schneider) brutal überfallen und das Heiligtum der Gemeinschaft, ein Schrein, geraubt. Als Kelab zurückkehrt entdeckt er das alle Mitglieder seines Stammes ermordet wurden, einschliesslich seiner Frau und seinem Sohn. Nur das Neugeborene hat überlebt. Von grenzenloser Trauer übermannt gibt es für ihn nur eins: Erbitterte Rache. Mit dem Baby und einer Ziege macht er sich auf den Weg, die die Täter zu finden.

Viel gesprochen wird in dem Rachedrama nicht. Und wenn, dann in einer Urform des Rätischen. Das ist auch nicht nötig, denn Kelab und seine Widersacher brüllen mehr, als das sie reden. Vor der Kulisse des beeindruckenden Alpenpanoramas spielen sich Szenen von äusserster Brutalität ab.

Randaus Film ist ein archaisches Abenteuerwerk um Rache und Läuterung mit einer originalgetreuen Ausstattung, indem Jürgen Vogel durch die klimatischen Verhältnisse an die Grenze des Erträglichen stösst. In etwa vergleichbar mit Leonardo di Caprio in THE REVENANT.

Start: 30.11.17

COCO – LEBENDIGER AJLS DAS LEBEN

COCO, der neue Film aus dem Hause Pixar spielt im mexikanischen Reich der Toten. Man feiert den traditionellen Día de los Muertos. Die Menschen stellen Fotos ihrer verstorbenen Familienmitglieder auf und bereiten deren Lieblingsessen vor. Auf den Friedhöfen wird gefeiert, Kinder verkleiden sich als Skelette, es wird Musik gespielt und getanzt. Der zwölfjährige Miguel Rivera, der sich selbst das Gitarrenspiel beigebracht hat und unbedingt seinem grossen Gesangsidol Ernesto de la Cruz nacheifern möchte, ist sehr traurig. Bei ihm zu Hause ist es seit Generationen strengstens verboten Musik zu machen. Miguels Ururgroßvater hat damals seine Familie verlassen. Er konnte seinen Traum, ein Musiker zu sein, nicht aufgeben. Ein bürgerliches Familienleben war ihm lästig. Der Junge möchte seine Familie so gerne überzeugen, wie ehrenhaft es ist Musik zu machen, besonders in einem Land, in dem Musik eine ganz grosse Rolle spielt. Als er sich heimlich seine Gitarre schnappt, um auf dem Marktplatz mit den Menschen und den Toten, die zu Besuch sind zu musizieren, erwischt ihn seine Großmutter , reisst ihm das Instrument aus der Hand und schmeisst es auf den Boden. Miguel weiss sich nicht anders zu helfen, er klaut Ernestos Gitarre aus dem Mauseleum. Es dürfen nur die Toten das Totenreich verlassen, deren Foto von den Familien aufgestellt wird. Ernestos Foto gehört nicht dazu, über ihn werden auch keine Geschichten mehr erzählt. Er gehört zu denen, die endgültig verschwinden. Während die Lebenden und die Toten miteinander feiern geschieht etwas Magisches: Miguel befindet sich plötzlich im Reich der Toten und trifft auf seine Vorfahren. Unter den skurrilen Knochenmenschen befindet sich der von Miguel vergötterte Ernesto, der auch im Jenseits ein beliebter Star ist. Was Miguel noch nicht ahnt, Ernesto entpuppt sich als ein gerissener Gauner. Es ist eine bizarre Welt in der der Junge gelandet ist. Hier sind die versammelt, denen der Ausflug ins Diesseits verwehrt ist. Die klappernden Skelette sind so etwas wie Menschen zweiter Klasse, obwohl beide Welten auf den ersten Blick in ihrer Buntheit, der Musik und Freude ähnlich sind, leben die im Jenseits in verwahrlosten Orten, geplagt von Schuldgefühlen, resultierend aus negativen Verhaltensweisen, die sie zu Lebzeiten begangen haben.

An Miguels Seite sein treuer Hund Dante, ein sogenannter Xolo Hund, ein mexikanischer Nackthund, der Nationalhund Mexikos, eine Rasse, deren Name sich ableitet von dem aztekischen Gott Xolotl und dem aztekischen Wort für Hund Itzcuintli, der man nachsagt Haus und Hof vor bösen Geistern zu schützen und der auch heilende Kräfte nachgesagt werden. Miguels Abenteuer im Totenreich kann erst dann beendet werden, wenn es Miguel gelingt, seinen Grossvater aus der Stadt der Toten zu befreien.

COCO ist ein herrlicher Augenschmaus für alle Sinne. Die Bilder sind von einer faszinierenden Buntheit und fröhlicher Morbidität. Anrührend und komisch, ernsthaft und nachdenklich zeigt er einen wichtigen traditionellen Bestandteil der mexikanischen Kultur. Ein Tag, geprägt durch die Kraft des Erinnerns und dem familiären Zusammenhalt der Generationen. Ein farbenprächtiger Film für die ganze Familie.

Start: 30.11. 17

AUS DEM NICHTS

Es ist ein ganz normaler Tag für Katja Sekerci (Diane Kruger). Liebevoll verabschiedet sie sich von ihrem türkischstämmigen Ehemann und ihrem kleinen Sohn. Kurze Zeit später, ein Riesenknall, Nägel fliegen durch die Luft, die Körper des Mannes (Numan Acar), der in Hamburg ein kleines Geschäft betreibt und des Kindes, werden duch die Bombe bis zur Unkenntlichkeit zerfetzt.

„Aus dem Nichts“ bricht ihre heile Welt zusammen.

Fatih Akins verarbeitet mit seinem neuen Film seine heillose Wut auf die Morde der rechtsradikalen NSU und widmet sich in erster Linie deren Opfer und dem, was es mit ihnen macht. Er erzählt die persönliche Geschichte einer Frau, die an den Folgen ihres Schmerzes zusammenzubrechen droht. Der Schock sitzt tief, Trauer und Verlust hinterlassen eine Wunde, deren Schmerz unerträglich ist.

Akin teilt seinen Film in drei Blöcke auf. Der erste Teil zeigt Katja, die in ihrem Schmerz total alleingelassen ist und sich den ungeheuerlichen Verdächtigungen seitens der Behörden gegen die Opfer ausgesetzt sieht. Der zweite Teil findet im Gerichtssaal statt. Katja sitzt dem Mörderpaar aus dem rechtsradikalen Milieu gegenüber, beseelt von dem einzigen Gedanken an Gerechtigkeit und Vergeltung. Als eine Gutachterin nüchtern die Verletzungen ihres Sohnes schildert, stockt auch dem härtestesten Zuschauer der Atem. Das Neonazi-Pärchen wird wegen mangelnder Beweislage frei gesprochen, basierend auf der Falschaussage eines griechischen Neo-Nazis. Feixend verlassen die beiden den Gerichtssaal.

Im dritten Akt macht sich Katja, die wegen ihres qualvollen Schmerzes wieder Drogen nimmt, auf den Weg nach Griechenland, (die Täter sind dort untergetaucht), um auf eigene Faust für Gerechtigkeit zu sorgen. Akin beschreibt das Drama einer Frau, die alles verloren hat was ihr lieb und wichtig war, ihren Frieden und leider auch ihren Lebensmut, die in ihrer Ohnmacht für eine umstrittene Gerechtigkeit eintritt, die ihr die Justiz verwehrt hat. Als Zuschauer hat man das Gefühl, dass Kruger auf die beklemmenden Situationen fast ausschliesslich emotional reagiert, als das sie eine Rolle spielt. Das macht sie wirklich grossartig. Sie verleiht ihrer Rolle damit eine unnachahmliche Authentizität.

Ob sich Akin mit dem Ende dieses Dramas einen Gefallen getan hat ist äußerst umstritten und sorgt für Diskussionsstoff. Aus der Sicht von Katja mag es konsequent sein. Auch sein Drehbuch weist einige Schwächen auf, die vielleicht damit zu erklären sind, dass sein Hauptaugenmerk auf der emotionalen Achterbahnfahrt seiner Hauptdarstellerin lag. Für die Gerichtsszenen ist die Handschrift von Hark Bohm veranwortlich, dessen präzise, schnörkellose Beschreibung durchaus stimmig ist.

Was den wahren NSU Prozess anbelangt, ist unter anderem, die bodenlose Ungeheuerlichkeit, dass bestimmte Akten für 120 Jahre gesperrt wurden.

Start: 23.11.2017

DETROIT

Detroit im Sommer 1967. Ein Nachtclub wird von den Bullen geräumt. Es sind hauptsächlich „Schwarze“, die sich dort aufhielten. Daraufhin entlädt sich eine bittere Wut. Zerstörung und Plünderungen sind die Folge. Auch ein Konzert der R&B – Gruppe The Dramatics wird abgesagt.

Der Veranstaltungsort bleibt leer. Der junge Sänger Larry Reed , der hart an seinem Durchbruch arbeitet, kann es nicht fassen. In seiner Verzweiflung steht er auf der Bühne und singt vor den leeren Plätzen. Die Nationalgarde verhängt eine Ausgangssperre. Es erschien unmöglich während der Unruhen sicher nach Hause zu kommen. Reed und sein bester Freund flüchten ins „Algier Motel“, eine Billigherberge. Einer von den jugen Leuten, die sich dort aufhalten, feuert aus Jux einen Schuss aus einer Art Spielzeugpistole ab. Eine Truppe rassistischer weisser Polizisten stürmt das Gebäude und treibt eine Gruppe überwiegend „Schwarze“ zusammen. Darunter zwei weisse Mädchen, die wie der letzte Dreck behandelt wurden, nur weil sie sich mit „Schwarzen“ eingelassen haben. Purer Hass schlägt ihnen entgegen. Die brutalen Verhörmethoden und die widerwärtigen Einschüchterungen der Beamten, hat Kathryn Bigelow in Echtzeit gedreht, was die unglaubliche Brutalität der Vorgehensweise unerträglich erscheinen lässt und auch die Schauspieler an den Rand der Zumutbarkeit treibt. Einer der Beamten hatte ein besonderes sadistisches „Vergnügen“ die vor Angst zitternden Gefangenen zu quälen. Sieben schwarze junge Männer und zwei weisse Frauen wurden auf unvorstellbare Art und Weise misshandelt. Nach Beendigung der Razzia sind drei schwarze junge Männer tot. Ermordet von drei hassbesessenen weissen Polizisten. Ein wahrer Alptraum.

Bigelow hat mit einigen Überlebenden und Zeitzeugen zusammengearbeitet, um die Vorfälle genauestens zu reproduzieren. Für so manchen von ihnen eine schier unerträgliche emotionale Überwindung, die Ereignisse wieder aufleben zu lassen. Bigelows Film ist ein brisantes Lehstück über unfassbare Polizeigewalt , welches bis in die Gegenwart reicht und für Empörung sorgt, in einem bis heute gespaltenem Land, mit einem hohen Mass an Rassismus, siehe die rassistisch motivierten Exzesse in in Charlottesville. „Detroit“ erinnert nicht nur an die barbarischen Vorfälle vor fünfzig Jahren, nein….. er ist beklemmend aktuell. Ich musste mich zwingen, die Vorführung nicht zu verlassen. Eine unbändige Wut stieg in mir hoch. Mir wurde fast übel vor Trauer und Mitgefühl.
Start: 23.11.2017

BATTLE OF THE SEXES

Texas 1973. Man muss schon zweimal hinschauen, um Emma Stone in ihrer Rolle der damaligen Nummer1 der Weltrangliste im Tennis, Billie Jean King, zu erkennen. Man merkt ihr an, dass es für sie eine Freude war, mit der Siebzigerjahre Frisur, einer Brille und den entsprechenden Klamotten, ihr Äusseres zu verändern. „Battle of the Sexes – Gegen jede Regel“ ist die Geschichte des legendären Schaukampfes im Astrodome von Houston Texas 1973. Die 29-jährige King tritt in dem Schaukampf gegen den 55-jährigen abgehalfterten Champion Bobby Riggs (Steve Carell) an.

Riggs, ein grossmauliger Chauvi und Zocker vor dem Herrn, der aus seiner Wettleidenschaft keinen Hehl macht, schlug vor „Der Battle of Sexes“ die damalige Nummer 1, Margaret Court. Sein Beweis dafür, dass Männer doch die überlegenere Rasse sind. Bei der Pressekonferenz tönt er lauthals, dass das Match gegen King, ein Spiel Macho gegen Emanze wird und das Frauen eigentlich in die Küche gehören. King, die nicht nur auf dem Platz wie eine Löwin kämpft, setzt sich auch vehement für die Rechte der Frauen ein. Sie fordert Respekt, gleiche Bezahlung und das Recht, Frauen lieben zu können, ohne dafür mit Häme und Verachtung gestraft zu werden. Sie nutzt den bevorstehenden Kampf als Revanche gegen die frauenfeindlichen Macker-Sprüche, besonders im Profisport. Schon 1970 gründete die spätere Weltranglistenerste ein Turnier, bei dem Frauen die finanziellen Bedingungen selbst stellen können.

Now, it`s Showtime Baby: Bravourös fegt sie den Macho vom Platz.Sie gewann in 3 Sätzen gegen den fast doppelt so alen Riggs. Vor Freude warf sie ihren Schläger hoch in die Luft.

Auf einer geschmückten Senfte liess sich Riggs ins Stadion tragen. Der Kampf der Geschlechter wurde per Satellit am 20. September in der ganzen Welt übertragen. Seit diesem Sieg wurde sie als Ikone des Frauentennis gefeiert. Gerüchten zufolge soll Riggs das Match absichtlich verloren haben, um seine Spielschulden bei der Mafia zu bezahlen. Zeitgleich hatte die verheiratete King eine heimliche Affaire mit ihrer Friseurin. Wirklich öffentlich machte sie ihr Lesbischsein erst 1981.

Das Regie – Duo Valerie Faris und Jonathan Daton („Little Miss Sunshine) hat mit viel Engagement ein aufrüttelndes Plädoyer für Gleichberechtigung gedreht, bei dem der Humor, trotz der Ernsthaftigkeit der Thematik, nicht zu kurz kommt. Amüsant und bewegend. Auch wenn Riggs, wie ein nicht ganz ernstzunehmender Tennis – Clown daherkommt, ist es um so bedrohlicher, dass seine Scherze auf fruchtbarem Boden fallen und kritiklos hingenommen werden.

Start: 23.11.2017

THE SQUARE

Der Schwede Ruben Östlund hat schon mit seinem Film „Höhere Gewalt“ gezeigt, daß er es versteht, seine Protagonisten psychologisch zu durchleuchten. War es vor gut einem Jahr noch ein Familienvater, der sich in einem entscheidenden Moment als regelrechter Feigling und Egoist entpuppte, ist es in dem Cannes-Gewinner „The Square“ ein Kurator eines der grössten Museen Stockholms. Ein smarter Typ, der auf der sogenannten Sonnenseite des Lebens steht. In der bitterbösen und gleichzeitig amüsanten Satire , bleibt einem mehr als einmal das Lachen im Halse stecken. Es beginnt mit einer Szene, in der Christian (Claes Bang) auf der Strasse in einen bedrohlich erscheinenden Tumult gerät. Eine Frau schreit um Hilfe. Beherzt geht er dazwischen und bemerkt erst später, daß ihm sein Portemonnaie und sein Handy bei dem Gerangel gestohlen wurden. Um sein Handy zurückzubekommen, setzt er die Idee eines Freundes um, indem sie einen Packen Handzettel drucken und diese in sämtliche Briefkästen in einem Haus, gelegen in einem sozialen Brennpunkt, werfen. Die Ortung seines Handys macht es möglich. Sein Hintergedanke bei der brenzligen Tat: Die vermeintliche Bloßstellung des Täters. Diese Arroganz wird ihm später noch zum Verhängnis werden. Eine durchgängige Geschichte wird nicht erzählt. Man verfolgt Szene für Szene, in denen Östlund eine Gesellschaft mit all ihren Schwächen, Eitelkeiten, ihrer Konkurrenz, ihrer Scheinheiligkeit und ihrem teilweise absurden Kunstverständnis bloßstellt. Das Museum…. eine Karikatur. Im Mittelpunkt Christian mit einer neuen Idee: Einen symbolischen Ort zu etablieren, in Form eines simplen Quadrats ( The Square), ein Refugium für Fürsorge und Vertrauen, in dem sich alle untereinander helfen. Ein sündhaft teures Kunstprojekt. Also lädt man reiche Sponsoren zu einem Festbankett ein. Um den honorigen Gästen etwas zu bieten, findet eine aussergewöhnliche Gorilla- Performance statt, bei der allerdings sämtliche Grenzen des guten Geschmacks überschritten werden. Anfänglich noch mit Gelächter bedacht, bis sie zusehends ausser Kontrolle gerät……

Um das Kunstprojekt geschickt zu bewerben und eine starke emotionale Reaktion zu provozieren, werden entsprechende Leute engagiert. Auf einem YouTube-Clip wird ein bettelndes, blondes, obdachloses kleines Mädchen gezeigt, dem etwas Übles zustösst. Christian, der mit wichtigerem beschäftigt ist, schaut nicht so genau hin und gibt sein Okay. Es kommt zu einem Eklat….

Ein Junge taucht auf. Wütend lauert er im Treppenhaus auf Christian. Er verlangt von ihm, sich bei seinen Eltern für den Drohzettel im Briefkasten zu entschuldigen, und weil das Kind keine Ruhe gibt, stösst er es die Treppe hinunter. Von schlechtem Gewissen geplagt, bemüht er sich um eine Entschuldigung. Der Skandal um das Video treibt ihn in die Enge. Bei einer Pressekonferenz versucht er sich herauszureden. Ein Pulk von Journalisten traktiert ihn mit Fragen zu seiner sozialen Einstellung. Irgendwie wollte er immer nur etwas Gutes aber ohne es zu wollen, schaffte er etwas Böses. Christian, ein Versager, wenn es um wirkliche soziale Verantwortung geht. Östlund nimmt den Zuschauer dahin mit, wo es wirklich ans „Eingemachte“geht und das tut weh. Dafür wurde „The Square“ in diesem Jahr zu recht mit der Goldenen Palme“ ausgezeichnet.
Start: 19.10.2017

HAPPY END

Die großbürgerliche Familie Laurent, Besitzer einer Baufirma, residiert in einem noblen Anwesen, nahe der Küste von Calais. In der pompös ausgestatteten Villa fehlt es an Nichts. Sündhaft teure Gemälde schmücken die Wände, gespeist wird von feinstem Geschirr, riesige Sitzlandschaften laden zum Verweilen ein. Betreut und in Ordnung gehalten wird das Luxusobjekt von marokkanischen Hausangestellten. Doch der luxuriöse Schein trügt gewaltig. Tauschen möchte man mit keiner der dort anwesenden Personen, die in dem schlossähnlichen Palast, ohne einen Funken von Empathie und Wärme für nicht einen der zahlreichen Familienmitglieder, leben. Der unterkühlte Umgang untereinander, lässt einen zutiefst frösteln. Die 13-jährige Ève (Fantine Harduin) beschäftigt sich mit ihren Filmchen auf ihrem Handy-Video. Ihre Chat-Kommentare beklagen die Eiseskälte ihrer Mutter. Das emotional gestörte Kind füttert ihren Hamster mit Schlaftabletten. Als das Tier sich nicht mehr regt, richtet sich ihr Hass direkt gegen die Mutter. Sie mischt ihr verschiedene Tabletten ins Essen, woraufhin die Mutter ins Koma fällt. „Ich war fünf und da ist mein Bruder gestorben. Es war Scheisse“, vertraut sie ihrem Smart-Phone an. Daraufhin wird sie in der Familie Laurent untergebracht, in der ihr Vater mit seiner zweiten Frau lebt. Jetzt erfährt man, wie kompliziert und verworren Verwandtschaftsverhältnisse in dieser maladen Familie sind. Salopp gesagt, das Mädchen kommt vom Regen in die Traufe. Ihr Vater betrügt die zweite Frau, mit der er ein Baby hat, mit einer Geliebten, die auf besonderen Sexpraktiken steht, der Großvater (Jean-Louis Tringtignant) versuchte sich mehrmals das Leben zu nehmen, die Madame des Hauses (Isabelle Huppert) versucht mit unlauten Mitteln und dem Beistand von Anwälten, einen Rechtsstreit wegen eines tödlichen Arbeitsunfalls in der Firma so hinzubiegen, dass die Abfindung gering ausfällt. Ausserdem steht das Bauunternehmen kurz vor der Pleite. Gerissen wie sie ist, verlobt sie sich mit einem Briten, der in London geschickt den rettenden Kredit zur Verfügung stellen soll. Der Einzige mit „gesundem Menschenverstand“ ist Pierre Laurent (Franz Rogowski) der nicht mehr in dem „Horrorhaus“ lebt. Ausgerechnet er, der sich gegen die masslose Heuchelei wehrt, der aus Verzweiflung trinkt, soll die Firma übernehmen. Natürlich ist er das Schwarze Schaf der Familie und wird von seiner Mutter mit rüder Autorität zurechtgewiesen. Man möchte fast Beifall klatschen, als er auf einer Familienfeier mit einer Gruppe afrikanischer Flüchtlinge auftaucht und die Bemerkung fallen lässt: „Das ist Jamila, unsere Sklavin. Sie ist ein wahres Gottesgeschenk“. Um die Contenance zu wahren, wird für die Flüchtlinge von Madame schnell ein Tisch freigemacht, sie dürfen an dem Essen teilnehmen.

Überhaupt, Pierre ist in dieser bitterbösen Farce, die einzige Figur, die berührt. Eine der bemerkenswertesten Szenen ist sein Auftritt in einer Karaoke Bar, in der er seine traurige Verloren- heit herzzerreißend zum Ausdruck bringt. Auch Ève ist eine traurige Gestalt, auch sie, ein Opfer von Lieblosigkeit, alleingelassen, ein Kind, was seinen Schmerz dem Smartphone in Form von Textnachrichten anvertraut, einem kalten Gerät, von dem sie keine Antworten bekommt. Wer Hanekes Filme kennt, weiss wie bitterböse sie sind und wie schwer zu verdauen.

Schon im „Weissen Band“ schaute er hinter die Fassade einer bürgerlich bigotten Familie. Noch heute erinnere ich mich schaudernd an „Funny Games“. Ein Horror, der mich tagelang nicht los liess. Nun „Happy End“, wo allein der Titel mehr als bitterböse ist. Auch wenn man etwas ratlos zurückbleibt, die „Eiseskälte“ spürt man noch Stunden danach.

Start:12.10.17

THE BOOK OF HENRY

Es sind oft die kleinen Vororte mit ihren idyllisch gelegenen Häusern, hinter deren Fassaden sich Dinge abspielen, die gut und gerne totgeschwiegen werden. In so einem Ort lebt die alleinerziehende Susan (Naomi Watts) mit ihren zwei Söhnen, dem achtjährigen Peter (Jacob Tremblay) und dem drei Jahre älteren Henry (Jaeden Lieberher). Henry ist nicht nur ein Mathegenie, sondern er besitzt auch einen stark ausgeprägten Beschützerinstinkt. Er hilft seiner überforderten Mutter, die in einem Diner arbeitet , wo er nur kann. Er schmeisst den Haushalt, bespasst seinen kleinen Bruder, wenn der mal traurig ist und auf dem Börsenparkett kennt er sich aus wie ein Grosser. Anfänglich könnte man denken, was für ein altkluger Junge ist der denn. Schnell erkennt man, dass er über eine ungewöhnliche Empathie und Vernuft verfügt, ungewöhnlich für ein Kind in diesem Alter. Irgendwie hat man ihn schnell ins Herz geschlossen. Ein bisschen verliebt ist er in seine Klassenkameradin Christina (Maddie Ziegler), die sich sehr verschlossen gibt. Sie lebt mit ihrem Stiefvater, Polizeichef des Ortes (Dean Norris), im Nachbarhaus und wird von ihm offensichtlich missbraucht. „Es sind ihre unendlich traurigen Augen, mit denenen sie einen ansieht und ihr Blick sagt alles“. Obwohl Henry es der Lehrerin gesagt hat, dem Jugendamt mitgeteilt hat, dass in dem Haus was nicht stimmt, kümmern tut sich Niemand und Christina schweigt.

Es stellt sich heraus, dass Henrys Kopfschmerzen von einem Tumor im Kopf herrühren. In einem Notizbuch hat er vor seinem Tode noch einen regelrechten Racheplan ausgetüftelt, mit der Auflage, dass seine Mutter diesen unbedingt ausführen soll. Ein Vermächtnis , welches sie auffordert Selbstjustiz an dem Vater von Christina zu verüben. Es bleibt offen, warum der sonst so vernüftige Junge, zu einem derartig perfiden Plan greift, um das Mädchen zu retten, wenn es leider sonst Niemand tut. Jetzt nimmt der Film eine Wendung, die die durchaus ergreifende Handlung in die Niederungen eines B-Movies führt. Wieso und warum, fragt man sich. Susan entschliesst sich in letzter Minute, es nicht zu tun. Sie stellt den Nachbarn zur Rede und macht ihm klar, dass sie ihn anzeigt und er keine Chance mehr hat, davonzukommen. Um der Schmach zu entgehen, bringt er sich um und Christina findet ihr neues Zuhause neben an. Wenigstens wirft das Ende viele Fragen auf und das ist eine Qualität, die dafür sorgt, dass man es so schnell nicht vergisst. Übrigens, den Namen des Jungen muss man sich merken. Jeaden Lieberher ist eine Wucht. Demnächst sieht man den begabten Jungschauspieler in Stephen Kings ES wieder.
Start: 21.09.17

FIRST STEPS PREISVERLEIHUNG 2017 (18.09. 2017)

„Heute ist der Tag, an dem die jungen Filmemacher ihre Arbeit endlich mit uns teilen können“.

Die Freude der Gewinner zeigte sich in den Dankesreden der noch ungeübten Filmemachern auf ganz besonders berührende Weise. Weit entfernt von den routinierten Ausführungen der „Alten Hasen“. Die beiden Moderatoren, Aylin Tezel und Jerry Hoffmann eröffneten die Veranstaltung mit einer schmissigen Tanzeinlage und führten mit einer gekonnt lässigen Moderation durch das Programm, wie man es schon lange nicht mehr erlebt hat. Chapeau! Iris Berben hielt in ihrer Eröffnugsrede ein Pädyer für die Künstlerische Freiheit und die damit verbundene Pressefreiheit in unserem Land, eine Errungenschaft, die man in die ganze Welt hinausposaunen sollte. Neu in diesem Jahr, ein Preis für das Beste Drehbuch und der Götz-George-Nachwuchspreis, vorgestellt von seiner Frau Marika. Längst überfällig, die Stiftung, die Georges Frau im Sinne ihres verstorbenen Mannes gegründet hat, älteren Schauspielern, deren Rollenangebote auf Grund ihres Alters ausbleiben, finanziell zu unterstützen und ihnen bei der Möglichkeit verschiedener Auftrittsmöglichkeiten behilflich zu sein. Auch hier: Chapeau!. Eine Vertreterin der Mediengruppe Pro7/Sat 1 lud die jungen Filmemacher zu einer Masterclass ein, allerdings mit der Auflage, Filme für ein Millionenpublikum zu realisieren und damit die 20:15 Zuschauer zu versorgen. Für mich eine etwas strittige Forderung. Sherry Hormann, Regisseurin und Witwe von Michael Ballhaus richtete sich mit den besonderen Worten an die Jungregisseure/innen, keine Abbilder zu liefern sondern Bilder. Werdet Liebende und nicht Techniker. Schaut den Schauspielern ins Gesicht und schaut, ob sie Schutz brauchen. Wunderschöne Worte, die man so bisher noch nicht gehört hat.

Alle Auschnitte der eingereichten Filme waren so beeindruckend, dass man sie alle unbedingt in voller Länge sehen möchte. Ganz besonders hat mich gefreut, dass der Preis der Abendfüllenden Spielfilme von derJury an den Film DIE BESTE ALLER WELTEN ging. Ein Film, der zutiefst berührt, bei dem wirklich alles stimmt, bewegend und wichtig. Regisseur Adrian Goiginger hat erstaunlich viel Empathie für seine Figuren entwickelt und stellt bei dem heiklen Thema seine Protagonisten in keinster Weise bloss. Der Film kommt demnächst in unsere Kinos und ich kann ihn nur Jedem wärmstens empfehlen.

Insgesamt war es wieder eine gelungene Veranstaltung und man kann den jungen Filmemachern nur ganz viel Glück auf dem Weg in ihre künstlerische Zukunft wünschen.

PORTO

Fernab vom Mainstream sind es oft die kleinen Filme, die einen in ihren Bann ziehen. Zu denen gehört auch PORTO, indem zwei Fremde im Rausch der Gefühle eine Nacht miteinander verbringen. Beide sind fremd in der Stadt, beide sind Aussenseiter. Als sie sich in einem Café in der portugiesischen Hafenstadt mit ihrer leicht morbiden Atmosphäre zufällig treffen, ihre Blicke miteinander verschmelzen, fremd und doch so vertraut, scheint die Zeit für sie still zu stehen. Zwischen dem Gelegenheitsarbeiter Jake, der mit seinem Hund durch die Stadt streift und der bildschönen Archäologin Mati (Luci Lucas) entsteht so etwas wie eine geheimnisvolle Magie. Für Jake (Anton Yelchin) fühlt es sich an, als hätten sie keine andere Wahl. Nachdem Mati morgens das Haus verlassen hat, bleibt Jake in der Wohnung zurück, packt ihre Umzugskartons aus und verteilt einige Gegenstände liebevoll in dem noch leeren Raum. Für ihn völlig unerwartet, kehrt Mati mit dem Vater ihrer Tochter zurück. Jake ist verstört. Erzählt wird die Geschichte aus 3 Perspektiven. Der amerikanisch-brasilianische Regisseur Gabe Klinger wechselt seine Filmformate zwischen 35mm, 16mm und 8mm, baut Zeitsprünge ein, um den emotionalen Ausnahmezustand seiner Protagonisten durch rätselhafte Erzählmomente zu unterstreichen. Es ist die Figur des Jake, die besonders berührt. „Zum ersten Mal in meinem Leben fühle ich mich glücklich. Es ist, als sei ich ein Teil eines Ehepaares, dass 80 Jahre zusammen ist“. Was übrig bleibt ist eine glückliche und leidvolle Erinnerung an eine Nacht voller Leidenschaft ohne Zukunft. Jake, ein Loser ohne Plan und Ziel, ein Amerikaner in der Fremde, der auf die Französin Mat trifft, greift ans Herz. Besonders tragisch der Tod des 27-jährigen anton Yelchin, der während der Dreharbeiten auf einem Kurzurlaub in seiner Heimatstadt in den USA verstarb.

Start: 14.09.17.

BARRY SEAL – ONLY IN AMERICA

ALS PAUL ÜBER DAS MEER KAM

(Tagebuch einer Begegnung)

TULPENFIEBER

TRÄUM WAS SCHÖNES

DER STERN VON INDIEN

Vor genau 70 Jahren, am 15. August 1947 erhielt Indien nach Jahrzehnte langen Auseinadersetzungen mit der britischen Kolonialmacht die Unabhängigkeit. Geteilt wurde das Land in ein hinduistisches Indien und ein muslimisches Pakistan. Etwa 8,4 Millionen Menschen siedelten sich zwischen Indien und Pakistan um. Bei den Unruhen kamen mehr als eine Million Menschen ums Leben. Als der neue Vizekönig von Indien, Lord Mountbatten, Onkel von Prinz Philip, mit seiner Frau in seinem hochherrschaftlichen Palast in Delhi eintrifft, begreift er ganz schnell, dass es sich hier nicht um eine reine Verwaltungsangelegenheit handelt. Auf dem Subkontinent toben ethnisch religiöse Konflikte zwischen Hindus, Muslimen und Sikhs. Der deutsche Titel „Der Stern von Indien“ führt leicht in die Irre. Das Herzensprojekt der indisch-britischen Filmemacherin Gurinder Chadha (Kick It Like Beckham), ihre Grosseltern wurden zum Opfer der Separationsteilung, die Millionen von Menschen in die Flucht trieb, heisst im Original „Viceroy`s House“. Und um dieses Haus geht es eigentlich. Ein Hofstaat vom Feinsten erwartet die Mountbattens. Eine Hundertschaft von Bediensteten steht für sie bereit, um für ihr Wohl zu sorgen. Edwina Mountbatten (Gillian Anderson), die sich sehr für die indische Kultur interessiert, ordnet als erstes an, den britisch-europäischen Speiseplan zu ändern und traditionelle, lokale indische Speisen zu servieren. Ihr Mann (Hugh Bonneville) hat die schwere Aufgabe Indiens Unabhängigkeit ohne einen Bürgerkrieg zu entfachen, über die politische Bühne zu bringen. Er widmet sich den militärischen Aufgaben, sie hingegen ist trotz ihrer adligen Herkunft sozial links orientiert. „Wir sind hierher gekommen, um dem Land Frieden zu bringen und nicht, um das Land auseinander zu reissen“. Die politischen Strippenzieher entscheiden nach ihren eigenen Gesetzen. Eingebettet in das poitische Desaster ist die anrührende Liebesgeschichte zwischen dem am Hofe jungen Angestellten Hindu Jeet (Manish Dayal) und der schönen Muslima Aalia (Huma Qureshi), die von ihrem Vater (Om Puri) einem Anderen versprochen wurde. Auch hier gilt der Grundsatz: Es wird geteilt, was eigentlich zusammen gehört. Chadhas Film orientiert sich stark am Mainstream, schafft es aber, die historisch brutale Realität in den Mittelpunkt zu stellen und den Zuschauer zu veranlassen, dem Historiendrama mit echter Anteilnahme zu folgen. Dekor und Kostüme sind eine wahre Augenweide. Gegenwartsbezogene Anspielungen, wie bürgerkriegsähnliche Zustände im Nahen Osten und den daraus resultierenden Flüchtlingsströmen, werfen die Frage auf, ob man aus den Fehlern der Vergangenheit gelernt hat. Leider, leider muss man die Frage mit einem klaren Nein beantworten. Der Film deckt Vieles auf, was man vorher noch nicht wusste. Der „Mountbattenplan“ brachte Zerstörung und führte zu einer Tragödie.

Start:10.08.2017

FINAL PORTRAIT

Der Schweizer Künstler Alberto Giacometti (1901-1966) war einer der bedeutesten Plastiker des 20.Jahrhunderts. Seine ausgemerkelten Bronzefiguren, die an Strichmännchen erinnern, sind ein grosser Teil seines Schaffens, in denen er die Grundfragen der menschlichen Existenz zum Ausdruck bringt. Seine surrealistischen Plastiken und Zeichnungen sind geprägt von einem individuellen unverwechselbaren Stil. Stanley Tucci hätte keinen besseren Protagonisten für die Rolle des kauzigen Künstlers finden können als Geoffrey Rush, der ihm erstaunlich ähnlich sieht. Giacometti bei seinem „Final Portrait“ zuzuschauen sprengt die Grenze zwischen Wahnsinn und Komödie.Ein Getriebener, hin-und hergerissen zwischen Perfektionismus und Launenhaftigkeit. Besonders zu spüren bekommt das ein junger amerikanischer Schriftsteller und Kunstliebhaber, James Lord (Armie Hammer), der während seines Parisaufenthaltes von einem Freund dazu ermutigt wird, bei ihm Modell zu sitzen. Es ist Niemand anderes als Giacometti persönlich. Lord fühlt sich geschmeichelt, ahnt nicht auf was er sich da einlässt. Es dauert nicht länger als zwei bis drei Stunden, gaukelt ihm Giacometti vor. Aus zwei, drei Stunden werden Wochen, in denen Lord ständig seinen Rückflug verschiebt. „Sie sehen brutal aus. Wenn ich sie so male, wie ich sie sehe, würden sie im Gefängnis landen“ schleudert ihm der Neurotiker ins Gesicht. „Von vorn sehen sie brutal aus, von der Seite degenriert“. Jeder andere wäre wahrscheinlich aufgestanden und gegangen. Nicht so James Lord. Mit unendlicher Geduld, fügt er sich den Launen des wankelmütigen Künstler-Genies.Allein das Atelier, vollgestellt mit Sperrmüllmobiliar, verwitterte Holzbalken, blinde Fensterscheiben, sein Geld stopft er in irgendwelche Schubladen, seine Frau beschimpft er mit den Worten, sie sei so schrecklich bürgerlich und banal, er gehe lieber zu den Huren. Jedesmal, wenn Lord denkt , jetzt sei sein Portrait endlich fertig, wird es wieder übermalt. Mit lautem „Oh Fuck-Gebrüll schmeisst er den Pinsel weg und geht lieber ins nächste Bistro um Rotwein zu trinken und sich seiner Geliebten, einer Prostituierten zu widmen.Man merkt Geoffrey Rush die unbändige Spielfreude, die ihm diese Rolle bereitet förmlich an. Mit zersausten Haaren, ausgebeuteltem Jackett, schlechtsitzenden Hosen, ständig eine Kippe zwischen den Lippen, schlurft er zwischen Atelier und Kneipe hin-und her. So amüsant das Aufeinandertreffen dieser beiden unterschiedlichen Typen auch ist, irgendwann nervt es auch. Tucci bleibt zu sehr an der Oberfläche dieses zerrissenen Genies kleben und macht sich nicht die Mühe sein Ego differenzierter Auszuleuchten. Und dennoch, hätte man diesem hochbegabten Maler und Bildhauer noch ewig zuschauen können. Am liebsten würde man nach Ende des Films sofort in eine Ausstellung mit seinen Werken hetzen.

Start: 03.08.17

DAS GESETZ DER FAMILIE

Sie leben ausserhalb der Gesellschaft in einem der reichsten Landstriche Großbritanniens in einer Wagenburg und das schon seit drei Generationen, inmitten einer idyllischen Wald-und Wiesenlandschaft, drumherum ein Berg von Altmetall. Sie, das ist der berüchtigte Cutler-Clan, bestehend aus Familienpatriarch Colby (Brendan Gleeson), seinem Sohn Chad (Michael Fassbender) samt seiner Familie und einigen Outlaws, die sich dazu gesellt haben. Colby, ein Meister im Koordinieren ihrer kriminellen Aktivitäten, die da sind Einbrüche, Diebstähle und zahlreiche Verkehrsdelikte. Der örtlichen Polizei sind sie längst ein Dorn im Auge, doch sie können der rebellischen Truppe schwerlich erwas nachweisen. Chads 8-jähriger Sohn Tyson blickt bewundernd zu seinem Grossvater auf, genießt er doch so manchen Vorteil gegenüber den anderen Kindern aus der reichen Umgebung. Statt in der Schule zu hocken, darf er mit seinen Kumpeln, in einem frisierten Auto über die Wiesen brettern, ähnlich seinem Vater, der ein Ass im Fluchtwagenfahrens ist. In der Gruppe tummeln sich jedoch auch einige Typen, die für Chaos sorgen und Chad immer mehr dazu bewegen, das dass Milieu für seine Kinder lebensgefährlich werden kann. Schwierig, denn Chad, der nie Lesen und Schreiben gelernt hat, sich nie mit der Frage beschäftigt hat, wie ein Leben für ihn ausserhalb des Clans funktionieren könnte, steht vor einem Dilemma. Auch seine Frau Kelly (Lyndsey Marshal), die nur aus Liebe zu ihrem Mann die alteingesessene Tradition akzeptiert, will ein Zuhause für ihre Tochter und den Sohn, indem nicht ständig die Polizei vor der Tür steht und sie mit Fragen und Untersuchungen löchert. Hinter dem Rücken seines Vaters hat Chad ein kleines Grundstück gefunden, auf dem er mit seinewr Familie in Zukunft leben möchte. Ausgerechnet jetzt plant Colby einen spektakulären Coup in einem der best bewachten und gesicherten Anwesen der Umgebung. Trotz massiver innerer Widerstände, lässt Chad sich darauf ein. Doch diesmal läuft die Sache schief. Ausgerechnet jetzt, wo Chad beschlossen hat, sein Leben zu ändern. Regisseur Adam Smith konnte sich nicht so richtig entscheiden zwischen Drama und Komödie und diese indifferente Haltung lässt die Geschichte leider schwächeln. Mit Gleeson und Fassbender hervorragend besetzt, liegt die Stärke in der Milieuschilderung und ihren Protagonisten, die bei all ihrer kriminellen Energie fest zusammenhalten und füreinander da sind.

Start:03.08.17

PARIS KANN WARTEN

2009 besuchte Eleanor Coppola mit ihrem Mann Francis Ford das Filmfestival von Cannes. Wegen einer Erkältung entschloss sie sich, ihren Mann nicht auf dem Flug nach Budapest zu begleiten. Dankbar nahm sie das Angebot eines Geschäftspartners ihres Mannes an, sie in seinem Auto nach Paris mitzunehmen. Aus einer ursprünglich 7 Stunden dauernden Autofahrt, wurde ein dreitägiger amüsanter Road-Trip mit kulinarischen Köstlichkeiten. Voller Stolz liess sich der charmante Vorzeigefranzose es sich nicht nehmen, seiner Beifahrerin die Schönheiten seines Landes zu zeigen. Als die über achtzigjährige Coppola ihren Freunden von der Fahrt berichtete, waren alle der Meinung, sie müsse daraus einen Film machen. Sie staunte nicht schlecht über sich, als sie das Drehbuch schrieb und selbst die Regie übernahm.

Aus Eleanor und Francis Ford werden Diane Lane und Alec Baldwin…….Diane Lane spielt Anne, die Ehefrau eines Filmproduzenten (Alec Baldwin) der wahnsinnig gestresst ist, seiner Frau kaum zuhört und die aufgrund einer Ohrentzündung davon absieht, ihren Mann von Cannes nach Budapest zu begleiten. Man hat den Eindruck, das Angebot von Jaques (Arnaud Viard) mit ihm in seinem Cabrio nach Paris vorauszufahren, um ihren Mann dann später in Paris zu treffen, kommt ihr gerade recht. Eine kleine Ehepause kann nicht schaden. Jaques lässt seinen ganzen Charme spielen. Er überhäuft Anne mit Komplimenten, die sie so schon lange nicht mehr gehört hat. Er lässt die herrlichsten Köstlichkeiten auftischen und zeigt ihr die landschaftlichen Vorzüge seiner Heimat. Doch hinter all dem Charme verbirgt sich ein kleiner Schwerennöter, so dass sich Anne zwischendurch fragt, ob sie überhaupt noch heil nach Paris kommt. „Paris kann warten“ ist eine leichte sommerliche Komödie, voller Lebenslust und romantischem Geplänkel, die Lust auf eine heiter unangestrengte Landpartie im Cabrio macht. Am besten zu geniessen in einem Freilichtkino, an einem warmen Sommerabend mit einem Picknickkorb voller herrlicher Delikatessen und einem eisgekühlten Glas Weisswein. So wird daraus ein sinnliches Vergnügen.

Start: 13.07.2017

DAS PUBERTIER

„In der Erziehung gibt es kein richtig oder falsch. Es gibt nur falsch“. Das ist der Eingangssatz in dem von Leander Haußmann adaptierten gleichnamigen Bestseller von Jan Weiler DAS PUBERTIER.

Vater Hannes (Jan Josef Liefers) und seine Frau Sara (Heike Makatsch) haben es nicht leicht. Ihre fast 14-jährige Tochter Carla (Harriet Herbig-Matten) ist mitten in der Pubertät. Ganz süss ist die Anfangsszene , in der Hannes seinem kleinen Mädchen ein berührendes Schlaflied singt. Aber dann…….dann entwickelt sich das „Pubertätsdrama“ in eine peinliche Klamotte voller Klischees und stereotypen Figuren. Vorneweg Hannes, der in ein Fettnäpfchen nach dem anderen tritt. Ich habe aufgehört zu zählen, wieviel mal er hinfliegt, weil er über etwas stolpert. Ich werde jetzt auch nicht die Szenen beschreiben, die nur so von Albernheiten strotzen, dass einem das Lachen vergeht. Besonders nervig, wenn die Erwachsenen sich pubertärer verhalten, als das betroffene Kind. Feinsinniger Humor sieht anders aus. Eins ist sicher, die Crew hatte offensichtlich am Set weitaus mehr Spass, als der Zuschauer im Kinosessel. Schade. Mehr Komplexität hätte dem Film gut getan. Da hilft es auch nicht, dass Harriet Herbig-Matten ihre Rolle erfrischend natürlich spielt und Heike Makatsch in ihrer wohltuenden Zurückgenommenheit leider auch kein Rettungsanker sind.
Start: 06.07. 2017

INNEN LEBEN (INSYRIATED)

In Syrien tobt der Krieg und ein Ende ist nicht abzusehen und damit auch der Flüchtlingsstrom. Aber wie geht es den Daheimgebliebenen? INNEN LEBEN zeigt auf bedrückende Weise das entsetzliche Leid der Zivilbevölkerung anhand einer Grossfamilie, die sich in ihrer Wohnung in Damaskus verbarrikadiert und versucht, den Alltag einigermassen zu bewältigen. Es gibt kaum Wasser, Telefonleitungen funktionieren mal ja, mal nein und die Beschaffung von Lebensmitteln ist nur unter grösster Gefahr möglich. Auf den Dächern lauern Scharfschützen. Die energische Oum Yazan (Hiam Abbass), wir kennen sie aus „LemonTree“ und „Paradise Now“, versucht einen Hauch von Normalität zu wahren. Die junge Halima und ihr Freund Samir haben mit ihrem Baby die Flucht nach Europa gründlich vorbereitet. Salima verlässt nur noch kurz das Haus und wird im Hof erschossen. Niemand der Eingeschlossenen wagt es, der jungen Frau, die auf gepackten Koffern sitzt, die Hiobsbotschaft zu vermitteln. Oum Yazan hat die junge Familie bei sich aufgenommen, denn sie sind die letzten in dem leerstehenden Haus. Gedämpft sind die Frauen mit der Vorbereitung der Mahlzeit, dem Wasserholen, dem Tischdecken in der Küche beschäftigt, während von draussen die bedrohlichen Geräusche des Krieges zu hören sind. Plünderer treiben ihr Unwesen, klopfen an die Tür, auf der Suche nach eventuellen Wertsachen. Als das Dienstmädchen ans Fenster tritt, um zu sehen, ob der Leichnam noch im Hof liegt, sagt der Grossvater resigniert: „Was schaust du aus dem Fenster. Vergiess die Welt da draussen“. Fünf abgedunkelte Räume, eine Küche und ein Bad, ist der beklemmende Schauplatz dieses klaustrophobischen Kammerspiels. Als zwei Männer sich mit Gewalt Zugang zur Wohnung verschaffen, verstecken sich alle Bewohner verängstigt in der Küche. Es ist ausgerechnet Halima, die von den Männern geschlagen und vergewaltigt wird. Vor Angst erstarrt, werden sie hörbare Zeugen des brutalen Verbrechens. Es ist eine hochbrisante Frage, die der belgische Regisseur PhilippeVan Leeuw in den Raum stellt. Hätte Oum Yazan eingreifen sollen und ihre Kinder zu Opfern der brutalen Gangster werden lassen?

„Insyriated“, so der Originaltitel, lässt die Frage offen. Der Zuschauer ist gefordert, selbst zu entscheiden. Soll eine Familie einen der ihren opfern, um das Leben eines anderen zu schützen?

„Innen Leben“ handelt von dem Dilemma unter unmenschlichen Bedingungen nicht menschlich bleiben zu können. Es sind nicht nur die da draussen, die traumatisiert und verletzt zurückbleiben, nein, auch die drinnen werden zu traumatisierten Opfern eines unbarmherzigen Krieges.

Start: 22.6.2017

THE DINNER

Man trifft sich in einem hocheleganten Restaurant mit exellenter Küche. Der Abend wird alles andere als beschaulich. Paul (Steve Coogan) und seine Gattin Claire (Laura Linney) treffen sich mit Pauls älterem Bruder Stan (Richard Gere) und dessen junger Ehefrau Katelyn (Rebecca Hall) zum Abendessen. Alle Beteiligten ahnen, dass es mehr als ungemütlich wird. Das Verhältnis der Brüder ist konfliktbeladen und zerüttet. Stan, der weltgewandte und charmante einflussreiche Politiker, stand schon immer auf der Sonnenseite des Lebens. Paul benutzt das ungewollte Treffen um den ungeliebten Bruder mit zynischen Bemerkungen zu attackieren. Je später der Abend desto klarer wird der Grund ihres Beisammenseins. Die beiden 16-jährigen Söhne der Paare haben ein entsetzliches Verbrechen begangen und es auf einem Video festgehalten. Noch weiss die Polizei nicht, wer die Täter waren. Der zermürbende Abend kreist um die Frage, ob sie die Tat vertuschen sollen, denn schliesslich steht die Karriere Stans auf dem Spiel. Der Abend entwickelt sich immer mehr zu einem makaberen Psychoduell. Katelyn, die eh nicht gut auf ihren Mann zu sprechen ist und Claire neigen zur Vertuschung. Wie weit gehen die Eltern, um ihre Kinder zu schützen und auch das berufliche Ansehen des Herrn Kongressabgeordneten nicht zu zerstören. Über den Umgang mit dieser moralischen Frage ist man sich total uneinig. Oren Movermanns verbaler Schlagabtausch ist schauspielerisch grandios inszeniert, bei der Schauspielerriege nicht anders zu erwarten. Es ist spannend mitanzusehen, wie die Masken aller Beteiligten immer mehr fallen und die seelischen Abgründe immer stärker zum Vorschein kommen. In etwas anstrengenden Rückblenden , wird der Zuschauer nicht nur mit dem ungeheuerlichen Verbrechen, sondern auch mit den Hintergründen der kaputten Beziehung der Brüder konfrontiert. Ein hochbrisantes Drama über Wohlstandsverwahrlosung und ihre bitteren Folgen und Ignoranz jeglicher Moral.

Als Vorlage dient der weltweite Bestseller ANGERICHTET von Herman Koch.
Start: 08.06.2017

BORN TO BE BLUE

Chet Baker, der legendäre Jazztrompeter, wurde 1929 in Yale geboren. Berühmt wurde er mit der Musicalballade „My Funny Valentine“. Da war er 23. Sein früher Erfolg stürzte ihn in eine fatale Heroinabhängigkeit. In „Born to be Blue“ schlüpft Ethan Hawke in die Rolle des „James Dean of Jazz“, der mühsahmst versucht, die Kontrolle über sein Leben zurückzugewinnen.Baker galt als bester Jazz-Trompeter der Welt.Es ist das Jahr 1966 und es sieht so aus, als bekäme Baker seine Drogensucht nicht mehr in den Griff. 12 Jahre ist es her, als er als Erfinder desWest Coast Swing im legendären New Yorker Club Birdland auftrat. Das Publikum war ausser sich und belohnte ihn mit tosendem Beifall. Miles Davis, der ebenfalls im Club ein-und ausging, sah in ihm einen weissen Kokurrenten, machte seine Musik schlecht und schürte bei Baker enorme Selbstzweifel. Der schmale Grat zwischen Erfolg und eventueller Sich-Selbst- Überschätzung seines Talents, wurde zum Nährboden seiner Drogensucht.Sein Leben war überschattet von Drogenaffairen und zeitweiligen Gefängnisaufenthalten. Er wurde immer zerbrechlicher und schwankte zwischen seiner Liebe zur Trompete und dem täglichen Schuss Heroin.Vor einer Bowlinghalle wird er von einer Gruppe brutaler Dealer derartig zusammengeschlagen, wobei er mehrere Zähne verliert. Zäh kämpft er mit lästigem Gebiss unter Blut und Schmerzen dem geliebten Instrument wieder Ton für Ton zu entlocken und sich nach und nach auf ein Comeback vorzubereiten. An seiner Seite seine Freundin Jane (Carmen Ejogo), die ihn auf dem schweren Weg begleitet. Dank ihrer Zuneigung, lernt er wieder, an sich zu glauben. Er bekommt nochmals die Chance im „Birdland“ aufzutreten, obwohl sein Produzent Dick Bock (Callum Keith Rennie) äusserst skeptisch ist. Und wieder trifft er auf Miles Davis.

Ethan Hawke verkörpert Baker mit einer grossartigen Hingabe und eindrucksvollem Charisma.Man kann sagen, er spielt ihn nicht. Er ist Baker. In keiner seiner Rollen war er jemals so verletzlich wie hier. Zu den bekanntesten Songs, die Regisseur Robert Budreau für den Film ausgewählt hat, gehören „Summertme“, „Over the Rainbow“, „Let´s Get Lost, „There´s a Small Hotel“ und natürlich „My Funny Valentine“, von Ethan Hawke selbst gesungen.

„Die Sucht wurde Baker Zeit seines Lebens nicht mehr los.Während seiner Europaaufenthalte kam er immer wieder wegen kleinerer Vergehen im Zusammenhang mit Drogen ins Gefängnis. Ende der sechziger Jahre gelang ihm mit der Unterstützung seines Musukerkollegen Dizzy Gillespe ein beachtliches Comeback. 1978 zog er dauerhaft nach Europa, wo er die produktivste Phase seiner Karriere erlebte. Während er in seiner Heimat zusehends in Vergessenheit geriet, erfreute sich Bakers Musik in Europa grosser Beliebtheit. Kurz vor seinem Tod 1988 drehte Star-und Modefotograf Bruce Weber den Dokumentarfilm LET´S GET LOST über das Leben des legendären Jazz-Trompeters. Weber lässt Baker, seine Freunde Weggefährten und Familie über sein Leben erzählen. Neben Aufnahmen, die sein begnadetes Talent und, als junger Mann in den fünfziger Jahren, seine atemberaubende Schönheit bezeugen, gibt es die erschütternden Geschichten von Drogenabstürzen, Schlägereien und Karriererückschlägen. Die Tragödie seines Lebens war später in seinem zerfurchten Gesicht abzulesen. Am 13.Mai 1988 starb Baker in Amsterdam nach einem Sturz aus einem Hotelfenster. Es blieb unklar, ob es sich um einen Unfall oder Suizid handelte. LET´S GET LOST hatte im gleichen Jahr Premiere bei den Internationalen Filmfestspielen in Venedig und gewann den Kritikerpreis. Im Jahr darauf wurde er für den Oscar nominiert. Einige kurze Schwarz-Weiss-Sequenzen aus Webers Doku sind in BORN TO BE BLUE eingearbeitet“.

( Textpassagen aus Presseheft)
Start: 8.6.2017

JAHRHUNDERTFRAUEN

2010 kam Mike Mills` Film „Beginners“ in die Kinos. Die Geschichte eines eines älteren Mannes, der am Ende seines Lebens das Wagnis seines „Coming-Outs eingeht. Diesen herzerwärmenden Film widmete Mills damals seinem Vater. Jetzt, 6 Jahre später, huldigt er mit „Jahrhundertfrauen“seine Mutter.

Die grossartige Annette Benning, (selber Mutter von vier Kindern) versucht als Alleinerziehende ihren Sohn am Ende der 70er Jahre zu einem aufrechten Mann zu machen. Es ist eine Zeit der kulturellen Umbrüche. Santa Barbara 1979. Wehmütig beobachtet Dorothea (Annette Benning) wie ihr alter Ford Galaxy auf dem Parkplatz vor dem Supermarkt in Flammen steht. In diesem Auto wurde Jamie Fields (Lucas Jade Zumann) vor 15 Jahren als neugeborener Säugling nach Hause gefahren. Dorothea war damals bereits 40 Jahre alt und es wurde gemunkelt, ob sie nicht schon zu alt für ein Baby sei. 1924 wurde sie geboren, als sie ein Teenager war, brach der Zweite Weltkrieg aus. Sie verliess die Schule, um Pilotin zu werden. Der Krieg war beendet, bevor sie ihre Ausbildung abgeschlossen hatte. Jetzt arbeitet sie als Zeichnerin in einem Architekturbüro. Sie raucht Mentholzigaretten, angeblich sind die gesünder, sie trägt bequeme Birkenstockschuhe und liebt Hollywoodklassiker mit Humphrey Bogart und sie studiert mit Jamie die täglichen Börsenkurse. Ihren Sohn überschüttet sie mit viel fürsorglicher Liebe.

In ihrem grossen Haus lebt auch noch die Punk-Fotografin Abbie (Greta Gerwig), die nach einer Krebsdiagnose aus New York geflüchtet ist, der Ex-HippieWilliam (Billy Crudup)der nicht nur das alte Holzhaus repariert sondern auch Autos wieder fahrtauglich machen kann und die 17-jährige Nachbarin Julie (Elle Fanning) schleicht sich nachts in Jamies Zimmer, um bei ihm zu schlafen aber rein platonisch, Sex mit ihm, lehnt sie ab, denn das könnte ihre Freundschaft zerstören.

Jamie versucht sich immer mehr von seiner Mutter abzunabeln. Dorothea fühlt sich ihrem Erziehungsauftrag nicht mehr gewachsen und bittet ihre Mitbewohner um Unterstützung. Abbie nimmt den Teenager mit zu wilden Partys, fordert ihn auf, feministische Lektüre zu lesen und Julie erzählt ihm von ihren zahlreichen sexuellen Abenteuern.

Abbie fotografiert alles, was ihr gehört. Für sie, eine Art Selbstportrait. Ihre Haare färbt sie rot, in Verbundenheit zu Bowies „Mann, der vom Himmel fiel“. Jede der drei unterschiedlichen Frauen, lässt nichts unversucht, Jamie zu einem überzeugten Feministen zu erziehen, auch wenn sie selber oft nicht weiterwissen und mit ihrem eigenen Gefühlschaos fertig werden müssen. Abbie scheut sich nicht, beim Abendessen vor versammelter Mannschaft über den Begriff Menstruation zu referieren.

Schauspielerisch erlebt der Zuschauer ganz grosses Kino. Annette Bening berührt zutiefst. Ganz, ganz grossartig, Lucas Jade Zumann, der zwischen diesen liebenswerten Frauen „seinen Mann steht“.

Wer aus welchen Gründen auch immer, nur ganz selten ins Kino geht, diesen Film darf man nicht versäumen. Auf meiner Liste der absoluten Lieblingsfilme steht er ganz weit oben.

Frauen, nehmt eure Männer mit, die können noch was lernen.

THE FOUNDER

Sein Vertreter-Job ist wahrlich kein Zuckerschlecken. Es sind die frühen 1950er Jahre im mittleren Westen. Ray Kroc (Michael Keaton) versucht seit Jahren Milchshake-Mixer unter die Leute zu bringen. Er fährt von Ort zu Ort, verbringt seine Nächte in schäbigen Hotels, klappert Restaurants ab, doch Niemand will die Dinger wirklich haben. Er wird hellhörig, als er den Auftrag erhält, einem Schnellimbiss gleich 6 Mixer auf einmal zu liefern. Es handelt sich bei den Auftraggebern um die Brüder Dick (Nick Offermann) und Mac ( John Carroll Lynch), die in Kalifornien,in einem Ort unweit von L.A., einen Schnellimbiss betreiben. Ein regionales Hamburgerlokal. Hier gehen die Burger wie am Fliessband über den Tresen. Kroc ist fasziniert. Bereitwillig erzählen die Brüder dem verbitterten Vertreter, ihre persönliche Geschichte. Kroc hört „das Gras wachsen“. Er schlägt den beiden Geschäftsleuten ein Franchise-Modell vor. Die sind nicht begeistert von der Idee. Für sie ist das A und O, ihre hohen Standards zu behalten, was bei einer Kette von vielen Läden, nicht mehr zu bewerkstelligen ist. Sie sind völlig zufrieden mit ihrem einzelnen florierenden Restaurant. Kroc lässt nicht locker. Er erkennt das Riesenpotential, welches in den schmackhaften Brätlingen steckt. Schlitzohrig und hintertrieben, setzt er alles daran, die beiden zu überreden. Es gelingt ihm sich einzukaufen, eröffnet eigene Filialen , er geht soweit, bis er die gesamte Firma der Brüder übernimmt. Es ist die Geburtsstunde der modernen Fast-Food- Industrie. Er hat es geschafft, das immer noch stärkste Fast-Food- Imperium,McDonald`s, aufzubauen. Er geht gewiss nicht zimperlich vor. Kroc mutiert zu einem skrupellosen Geschäftsmann, getrieben von Raffgier und Egozentrik, der es versteht, alle möglichen Konkurrenten aus dem Weg zu räumen. Aalglatt bewegt er sich auf dem glitschigen Parkett des Kapitalismus. McDonald betreibt in 119 Ländern mehr als 35.000 Restaurants. Bis heute werden immer wieder Verstösse gegen Umweltschutz und miserablen Arbeitsbedingungen publik. Michael Keaton verkörpert den rücksichtslosen Self-Made-Man auf typisch amerikanische Weise, indem er den Slogan des „Tellerwäschers zum Millionär“ dermassen glaubwürdig verinnerlicht, dass man von seinem Vorgehen nicht nur abgestossen ist, sondern gleichzeitig einen Hauch Bewunderung verspürt. John Lee Hancock ist es gelungen in diesem Biopic den Kapitalismus mit seiner schmutzigen und rücksichtslosen Seite in der Figur von Kroc ungeschönt aufzuzeigen.
Start: 20.04.2017

MOONLIGHT

„Moonlight“ ein Film, der eingeschlagen ist wie eine Bombe. Die Kritiker sind voll des Lobes. Hier einige Auszüge: „ Ein erfahrungsgesättigter, kraftvoller Film über die Hoffnung, dass jeder Mensch die Liebe finden kann, die er sucht“. „Gebt ihm so viele Preise,wie ihr könnt“. „Aussergewöhnlich und berührend und auf jeden Fall eure Zeit wert“. „Ein Film der für das Kino gemacht ist, ausschliesslich für das Kino. Auf kleineren Bildschirmen ist nicht genug Licht.“ „Ein stilles Meisterwerk, dass die Zuschauer zu Tränen rührt“. „Ein berührendes Erlebnis“.

Aufgeteilt ist das Drama in 3 Kapitel. Aus einem stillen,wortkargen Jungen wird ein stiller Teenager und dann ein erwachsener Mann. Der kleine Chiron, genannt „Little“( Alex Hibbert) lebt zusammen mit seiner cracksüchtigen Mutter ( Naomie Harris). Von seinen Mitschülern wird er gemobbt, ein Aussenseiter, der sich vor einer Horde Jungen in ein leerstehendes Haus flüchtet. Dort findet ihn ein Drogendealer, der den schweigsamen Jungen mit zu sich nach Hause nimmt.. Immer wieder flüchtet er zu ihm und dessen FreundinTeresa. Langsam gewinnt er Vertrauen, es entwickelt sich eine berührende Vater-Sohn-Beziehung. Ein Drogendealer, der zu einem liebevollen Ersatzvater wird. Wo hat man das jemals schon gesehen? Juan (Mahershala Ali), der im ersten Moment furchteinflössend auf den Jungen wirkt, bringt ihm das Schwimmen bei. Fast glücklich verliert er seine Angst. Es dauert eine lange Zeit, bis Chiron Vertrauen zu ihm fasst und zu reden anfängt. Verständnislos fragt er ihn: „ Meine Mom ist drogenabhängig und du verkaufst Drogen“?. Im zweiten Teil, aus dem zarten und zurückhaltenden Jungen ist ein Teenager geworden, gespielt von Ashton Sanders, wird er zum Opfer von Hass und Gewalt geprägt von falsch verstandener Männlichkeit. Nach einer Liebesnacht am Strand, in der er seinem Freund Kevin (Jharrel Jerome) sexuell nahe kommt, wird Kevin von den Mitschülern gezwungen Chiron zusammenzuschlagen. Ausser sich vor Wut und Hilflosigkeit geht er mit einem Stuhl auf den Wortführer los und schlägt ihn nieder. Die beiden Jungen verlieren sich aus den Augen. Im dritten Teil ist Chiron zu einem erwachsenen Menschen herangereift, gespielt von Trevante Rhodes, der nun auch die Laufbahn eines Dealers eingeschlagen hat. Nach Jahren hat Chiron herausgefunden in welcher Stadt sein Freund Kevin lebt. Kevin, der ein kleines Restaurant besitzt, staunt nicht schlecht, als sein Freund Chiron unverhofft in seinem Lokal auftaucht. Es ist , als ob die Zeit stehen geblieben ist. Wieder gehen die beiden zum Strand. Chiron gesteht, dass er seit damals nie wieder mit einem Mann Sex gehabt hat. Es besteht ein Funken Hoffnung, dass Chiron in einer Welt, in der es unmöglich scheint, dass Männer Männer lieben, es schafft über seinen Schatten zu springen und seinen Gefühlen freien Lauf lässt.

Der Afroamerikaner Barry Jenkins wuchs selbst in einem Ghetto in Miami auf. Auch seine Mutter war cracksüchtig, sein Vater verliess die Mutter noch bevor Jenkins auf die Welt kam.Seinen Film drehte er in Liberty City, einem Viertel, indem er selbst aufgewachsen ist. Statt grauer Ghettobilder wählt Jenkins Bilder von lichtdurchfluter Schönheit. In Zeiten, in denen Afroamerikaner verstärkt Opfer von polizeilicher Gewalt werden, ist „ Moonlight“ wichtiger denn je. Chapeau, Mr.Jenkins.

A CURE FOR WELLNESS

FENCES

TRAINSPOTTING2

ELLE

SUBURRA

SPLIT

NOCTURNAL ANIMALS

ALLIED – Vertraute Fremde

24 WOCHEN

SNOWDEN

DEMOLITION – LIEBE UND LEBEN

DER MOMENT DER WAHRHEIT

VOR DER MORGENRÖTE

Stefan Zweig, geb. 28. Nov. 1881 in Wien, gestorben 1942 in Petrópolis , Bundesstaat Rio de Janeiro, Brasilien. Er stammt aus einer großbürgerlichen jüdischen  Familie. In Wien und Berlin studierte er Germanistik und Philosophie. Religiös war seine Familie nicht. Er selbst bezeichnete sich als „ Zufallsjude“. Sein Lebensstil war großbürgerlich geprägt. Er reiste viel und gern. Seine Ehe mit Friderike Zweig wurde 1938 in London geschieden. Der Kontakt zu ihr brach jedoch nie ab. Ein Jahr später heiratete er Charlotte Altmann, die ihn auf allen seinen Reisen begleitete. In der Nacht vom 22. zum 23. Februar nahm er sich das Leben. Er litt seit Jahren an Depressionen. Beinahe alle seine Werke enden in tragischer Resignation.

MONEY MONSTER

Monsieur Chocolat

THE WITCH

REMAINDER

SON OF SAUL

Vernichtungslager Auschwitz- Birkenau. Eine Vielzahl nackter Menschen. Männer, Frauen, Kinder. „ Rein, immer rein in die gute Stube. Ihr wollt doch alle duschen“.

HAIL, CAESAR

DEADPOOL

BROOKLYN

VALLEY OF LOVE

THE REVENANT-DER RÜCKKEHRER

START:   06.01.2016

LEGEND ( AUFSTIEG UND FALL ZWEIER BERÜCHTIGTER BRÜDER)

Spectre

Nach vielen Jahren des Wartens kommt nun doch ein neuer Bond-Film in die Kinos. Es ist der 24., mit 148 Minuten der längste und mit 300 Millionen Euro auch der teuerste Bond-Film aller Zeiten geworden

Hat sich das Warten gelohnt? Die Frage ist mit Jein zu beantworten. Der Film beginnt furios mit einer fünfzehnminütigen Sequenz am „Tag der Toten“ in Mexiko-City. Unter den vielen, als Tote Verkleideten, entdeckt man bald James Bond, zum 4. Mal von Daniel Craig verkörpert. Mit seiner jungen Geliebten geht er in ein Hotel. Anstatt sich zu vergnügen, beginnt Bond sein Tagewerk: Töten und Zerstören. Alles natürlich aufwendig mit Hunderten Statisten und massenhaften Explosionen von Häusern, Autos und Hubschraubern inszeniert.

Nach dem grandiosen Vorspann beginnt die eigentliche Handlung.

Hier setzen sofort die Probleme des Films ein. Interessiert 53 Jahre nach dem 1.Bond-Film noch ein im Auftrag Ihrer Majestät tötender Geheimagent? Alle Figuren haben in dieser Zeit gewechselt, Bond zum 5.Mal. Alle Nebendarsteller an die man sich gewöhnt hatte, wurden ersetzt. Alle Spielarten des Bösen hat der Zuschauer erlebt. Neu ist, dass der Feind nicht mehr aus dem Osten kommt, sondern im eigenen Haus sitzt.

Leider spielt Christoph Waltz seine Rolle des maliziösen Bösewichts aus den Tarantino-Filmen einfach weiter und strahlt keinerlei physische Präsens wie Curd Jürgens oder Javier Bardem aus. Auch die Bond-Girls Monica Bellucci und Lea Seydoux sind eher schwach.

Freude hat der Zuschauer wie immer an der Ausstattung und den Schauplätzen: den mit 400 Tonnen Kunstschnee bedeckten Alpen, dem Gangsterversteck in der Marokkanischen Wüste, an Japan und natürlich London.

Heinrich Gebauer

EL CLUB

MACBETH

BLACK MASS

THE VISIT

M. Night Shyamalan ( „The sixth Sense, the Village- Das Dorf“ ) produzierte seinen Film THE VISIT mit eigenem Geld, schrieb das Drehbuch und führte Regie. Das Geschwisterpaar Becca und Tyler besuchen zum ersten Mal ihre Großeltern auf einer abgelegenen Farm in Pennsylvania. Seit Jahren verweigerte ihr Mutter jeglichen Kontakt zu ihren Eltern, stimmt aber dem Besuch letztendlich zu, da sie sich mit ihrem Freund auf eine wöchentliche Kreuzfahrt begibt. Fröhlich machen sich die Kinder auf den Weg. Becca packt ihre Kamera ein, um alles dokumentarisch fest zu halten. Sie freut sich riesig, die Orte kennen zu lernen, an denen sich ihre Mutter als Kind aufgehalten hat. Tyler kommentiert alles, was er so erlebt, in Form von Liedtexten, denn Rap ist eine Form moderner Poesie. Herzlich werden die Kinder von den Großeltern empfangen. Es gibt nur ein strenges Verbot: Ab 21:30 dürfen sie ihr Zimmer nicht mehr verlassen. Warum hören sie nachts ein ohrenbetäubendes Gerumpel und Getöse? Warum fuhrwerkt Oma nachts wie eine Furie durch das Haus? Warum versteckt der Opa seine vollen Windeln im Schuppen und verbrennt sie später? Warum beantwortet Oma keinerlei Fragen nach den Gründen ihres Streits mit der Tochter? Warum meint die Oma, daß man immer lachen muß, damit die Dämonen nicht aus ihren Löchern krauchen? Warum muß Becca unbedingt in den Backofen kriechen, um ihn zu säubern? Das Verhalten der Großeltern wird von Tag zu Tag immer merkwürdiger. Die Kinder haben alle Hoffnung verloren, jemals wieder nach Hause zu kommen. Shyamalan versteht es, den Familienhorror mit komödiantischen Elementen zu verbinden. Man könnte fast meinen, Zeuge einer modernen Hänsel und Gretel Version zu sein. Der arme Tyler leidet unter einer ausbrechenden Bakterienphobie und Becca weigert sich in einen Spiegel zu schauen. Am letzten Tag ihres Aufenthaltes zwingt der Opa die Kinder zu Brettspielen, doch stattdessen wird gewürfelt, „ wie in einer richtigen Familie“. Der Horror spitzt sich zu! Etwas nervig, das ständige Herumhantieren mit der Kamera und Beccas dazu gehörende Kommentare. Schauerlich gruselig , Deanna Dunagan , in der Rolle der Großmutter. Den bösen Opa spielt Peter Mc Robbie, Tyler wird von Ed Oxenbould dargestellt, seine Schwester von Olivia De Jonge. Das Genre eines Horrorschockers wird durchaus erfüllt.
Start: 24.09.2015

LIFE

James Dean, geboren am 8.Februar 1931 in Marion, Indiana, gestorben am 30. September 1955 bei einem Autounfall in seinem PorscheSpider.
Nach dem Tod seiner geliebten Mutter zog er zu seiner Großmutter nach Fairmont, Indiana zurück, wo er liebevoll aufgenommen wurde. Das Verhältnis seines Vaters zu seinem Sohn Jimmy war von Lieblosigkeit geprägt.
Unvergesslich die Hauptrollen Deans in 1955 Jenseits von Eden, 1955 ……Denn sie wissen nicht was sie tun, 1956 Giganten.
Der grossartige Fotograf und Regisseur Anton Corbijn erzählt in seinem Film „ LIFE“ die Begegnung des weltberühmten Fotografen Dennis Stock ( Robert Pattinson) und dem jungen, rebellischen James Dean ( Dane DeHaan ) 1955 in Los Angeles.
Es grenzt fast an Nostalgie, Stock in seiner Dunkelkammer bei der Arbeit zu zusehen. Er verdient seinen Lebensunterhalt mit dem Ablichten der Hollywood Prominenz für die Zeitschrift LIFE. Frustriert reiht er sich in die Riege der „ Red-Carpet-Gorillas“ ein. Obwohl seine Bilder glamourös und perfekt sind, ist er unzufrieden. Er sucht nach neuen fotografischen Aufgaben. Auch seine Beziehung ist angeknackst, seinen Sohn sieht er kaum und wenn es dann zu einem Treffen kommt, haben die beiden sich nicht viel zu sagen. Die Entfremdung durch Stocks ständige berufliche Abwesenheit ist einfach zu gross. Doch wie es der Zufall will, auf einer der zahlreichen Hollywood-Partys, beobachtet Stock den jungen James Dean, der mit seiner Freundin Pier Angeli ( Alessandra Mastronardi ) einen scheinbar glücklichen Eindruck macht. Intuitiv erkennt Stocks geschulter Fotografenblick die besondere Ausstrahlung dieses Jungen. Er beschliesst seinen Redakteur mit allen Mitteln davon zu überzeugen, mit diesem aufstrebenden Schauspieler eine aussergewöhnliche Fotoserie zu starten. Nicht ganz uneigennützig wittert er auch für sich die ganz grosse Karriere. Zwei Außenseiter bewegen sich langsam aufeinander zu.
Dean , der wenig Lust auf das Drumherum der gekünstelten PR-Maschinerie hat, der alles tut, um seine Unabhängigkeit nicht aufzugeben, der sich vom obersten Boss von Warner Brothers Sätze wie: „ Wenn du kein guter Junge bist, werde ich dich fertig machen“ anhören muss und Stock, der in den typischen Fünfziger-Jahren Konventionen verhaftet ist, der seine Eheprobleme nicht in den Griff bekommt, diese Gegensätzlichkeit der beiden Hauptfiguren setzt Corbijn spannend und einfühlsam in Szene. Die Bilder, die Dennis Stock während seiner Reise von Los Angeles über New York und letztendlich in Indiana von dem charismatischen James Dean schoss, zeigen den „ wahren Geist dieses einmaligen Menschen, Momentaufnahmen von echter Wahrhaftigkeit“. Wer kennt es nicht, das berühmte Foto des ausdrucksstarken Dean:
Kippe lässig im Mund, hochgeschlagener Mantelkragen und dieser rebellische, von Traurigkeit umschattete Blick. Die kurze Karriere des unvergesslichen James Dean wäre ohne die Fotos von Dennis Stock kaum vorstellbar.
Besonders berührend, die Fotoserie mit dem glücklichen Jimmy, daheim auf der Farm in Indiana, Jimmy zwischen Kühen, wie er enthusiastisch die Bongos schlägt. Dane Dehaan lässt ganz schnell vergessen, dass man nicht den wahren James Dean vor sich sieht. Schliesst man kurz die Augen, meint man Jimmy mit seiner ungewöhnlich „hohen“ Stimme zu hören.
Corbijns filmische Bildsprache macht dieses „Lichtspiel“ zusätzlich zu einem sehenswerten Ereignis.
Start: 24.09.2015

RICKI – WIE FAMILIE SO IST

Yes I can! Und wie sie kann. Vor etwa 20Jahren verließ Ricki ihre Familie, bestehend aus ihrem Mann und drei Kindern. Die Leidenschaft für für die Rockmusik war stärker als das spießige Familienleben in einer pompösen Villa im fernen Idiana. Der Traum von der großen Karriere hat sich leider nicht erfüllt. Auch wenn sie nur in einer abgewrackten Rockerkneipe in Los Angeles vor einem schäbigen alten Publikum auftritt und mit ihrem Partner kräftig in die Seiten ihrer Gitarre haut, lässt sie sich nicht unterkriegen und röhrt die gecoverten Bruce Springsteen Songs ins Mikrofon , als stünde sie vor hunderten von Menschen. In schwarze Lederklamotten gehüllt, fetten Boots , geflochtenen Zöpfen steht sie mit ihrer Band „ The Flash“ auf der kleinen Bühne für eine Gage, die kaum zum Leben reicht. Als sie die Nachricht erhält, dass ihre Tochter dringend Hilfe braucht, da sie kurz vor einem Suizid steht weil ihr Mann sie verlassen hat, kratzt sie ihre paar Piepen zusammen und fliegt zurück in ihr damaliges Domizil. Sie tröstet ihre Tochter mit den Worten: „ Es ist doch nicht so schlimm, es war doch nur eine Einsteigerehe.“ Ihre zwei Söhne, der eine schwul, was der homophoben Ricki einen Schock versetzt, der andere steht kurz vor seiner Hochzeit mit einer ziemlich konservativen jungen Frau. Das Ricki in ihrem typischen Aufzug und ihrer alles andere als großbürgerlichen Art, nicht so gut ankommt, war ja klar. Zurück in L.A. erreicht sie eine Einladung zur Hochzeit. Nach reifer Überlegung, kauft sie für ihre Verhältnisse ein passendes Kleid, wirft die Lederjacke über und kreuzt samt Partner bei der vornehmen Gesellschaft auf. Als man sie fragt, woher sie denn den Bräutigam kenne, antwortet sie trocken: „ Durch einen Kaiserschnitt“. Ihr Hochzeitsgeschenk: Beide geben Springsteen`s Song My LOVE WILL NOT LET YOU DOWN zum Besten.
Meryl Streep, inzwischen 66, als rockige Lederjackenbraut, zieht eine großartige Bühnenshow ab. Warum Drehbuchautorin Diablo Cody, die für „ Juno“ einen Oscar erhielt, der Figur der alternden Rockröhre rechte Attribute andichtet ( Tatoo der US –Flagge auf dem Rücken, Homophobie, Bush Wählerin, Obama Gegnerin ) macht etwas ratlos. Es bleibt das Gefühl zurück, dass die Streep so einige Schwierigkeiten mit dieser Rolle hat.
Jonathan Demme ( „ Das Schweigen der Lämmer“) ist für die Regie verantwortlich. Streeps wahre Tochter, Mamie Gummer, spielt ihre Tochter Julie auch im Film. Greg, Ricki`s Partner , ist Musiker Rick Springfield, Grammy Gewinner 1981. Trotz so mancher Ungereimtheiten, ist ein musikalisches Vergnügen mit viel Life- Musik garantiert. Der Soundtrack zum Film ist ab 21. August digital verfügbar. Ab 4. September gibt es ihn auch als CD.
Ansprechpartner: Jascha Farhangi ( Jascha Farhangi@umusic.com )
Start: 03.09.2015

DER CHOR- STIMMEN DES HERZENS

SOUTHPAW

DER SOMMER MIT MAMA

TAXI

TAXI TEHERAN

AMY ( THE GIRL BEHIND THE NAME)

HEIL

MADE BY GERMANY: JEDER KANN EINEN FILM DREHEN…..ZEITRAUM 24 STUNDEN

LOST RIVER

B-MOVIE: LUST & SOUND IN WEST-BERLIN

DIE AUGEN DES ENGELS

NIRGENDLAND

EX MACHINA

NUR EINE STUNDE RUHE!

EVERY THING WILL BE FINE

BEST EXOTIC MARIGOLD HOTEL 2

TOD DEN HIPPIES, ES LEBE DER PUNK

CINDERELLA

VERSTEHEN SIE DIE BÈLIERS

STILL ALICE

MEIN LEBEN OHNE GESTERN

AMERICAN SNIPER

WHIPLASH

SELMA

VON MENSCHEN UND PFERDEN

BIRDMAN  oder DIE UNVERHOFFTE MACHT DER AHNUNGSLOSIGKEIT

Mensch Michael! Keaton war mal Batman! Dann wurde es ruhiger um ihn. Jetzt ist Keaton Birdman! Aber nicht mehr lange! Der mexikanische Regisseur Alejandro Gonzàles Inarritu, bekannt für seine eher düsteren  Filme ( 21 Gramm, Biutiful, Babel, Amores Perros ) gab Keaton rotes Licht in dieser bitterbösen Mediensatire, in der Rolle des Riggan Thomas, zu brillieren. Die schräg inszenierte Tragikkomödie, angesiedelt im Theatermilieu, wechselt zwischen Fiktion und Realität. Thomas, kehrt nach  einer  längeren kreativen Pause zurück. Er inszeniert am Broadway ein Theaterstück von Raymond Carver und spielt selbst die Rolle eines in die Midlife-Crisis gekommenen Schauspielers. An seiner Seite Edward Norton, ein egozentrischer Konkurrent. Der macht sich in schamloser Manie über Alles und Jeden lustig. So mancher Hollywoodstar bekommt gehörig sein Fett weg. Diese vor Spott beißende Satire ist wie in einer einzigen Einstellung gedreht, ohne einen sichtbaren  Schnitt. Ein bisschen Klamauk ist auch dabei. Riggan raucht ne Zigarette, die Bühnentür schlägt zu. Nur mit einer Unterhose bekleidet, rennt der arme Kerl über den Times Square zurück zum Haupteingang. Und das life! Mit von der schrägen Partie, die wunderbare Emma Stone. Sie spielt die Tochter des abgehalfterten  Superhelden. Keaton, gerade ausgezeichnet mit dem Golden Globe, spielt die Rolle seines Lebens. Die Oscar-Nacht wird`s zeigen. Mit neun Nominierungen ist Birdman ein klarer Favorit……ach ja, da gibt es ja noch Boyhood……Von den Kritikern wird Birdman als einer der besten Filme dieses Jahres gehandelt und da schließe ich mich sang-und klanglos an. Hämmernde Trommelmusik gibt dem irrwitzigen Meisterwerk  den zusätzlichen Schliff.

Start:29.01.2015

Inherent Vice – Natürliche Mängel

Paul Thomas Anderson („There Will Be Blood“, „The Master“) traut sich, einen Roman des zum Kult arrivierten Autors Thomas Pynchon  „Inherent Vice – Natürliche Mängel“ zu verfilmen. Eigentlich gelten seine Bücher für unverfilmbar. Joaquin Phoenix , abonniert für gestörte Typen, spielt einen total bekifften Privatdetektiv. In schmuddligen Hippieklamotten schlunzt er über die Leinwand. Ob er in dieser durchgeknallten Krimifarce einen Fall löst, ist ziemlich unwichtig. Begleitet wird er auf seinem fast surrealen Trip durch L.A. von jeder Menge schrägen Typen. Doc, wie er sich nennt , ermittelt für seine Ex, die voller Sorge um ihren Lover ist. Er ist ein jüdischer Immobilienhai, beschützt von Leibwächtern, die als Nazirocker daher kommen und dessen habgierige Ehefrau nicht ganz koscher ist. Das Leben wird ihm schwer gemacht  von einem knallharten Bullen, der Hippies hasst, wie die Pest. Zwischendrin wird er zusammen geschlagen, seine Karre wird zu Klump gefahren, er wird mit Handschellen gefesselt und die Liaison mit einer taffen Staatsanwältin (Reese Witherspoon) ist auch nicht ohne. Ansonsten tauchen jede Menge skurriler Figuren auf, so dass nicht nur der Zuschauer den Überblick verliert, auch der bekiffte Doc hat größte Mühe sich zurecht zu finden. Dank der Drogen behält er trotz aller Wirren eine ruhige Gelassenheit. Herrlich , wie Phoenix sich durch dieses Chaos bewegt. Herrlich die Ausstattung der Siebziger. Man fühlt sich in die verrückte  Zeit der „ Blumenkinder“ versetzt indem man noch einmal die Zeit der Hippies und ihrer damaligen Träume erlebt. Nun gut, ich räume ein: Das ist kein Film für Jedermann. Wer Spaß am durchgeknallten und verrücktem Irrsinn hat, dem macht der Film einen Heidenspaß. Vielleicht sollte man vorher auch ein Tütchen rauchen……

HÄRTE

LERNTE DIE ZAHLEN ZU LIEBEN

Oliver Sechting und sein Freund Max Taubert machen sich auf den Weg nach New York. Voller Tatendrang wollen sie einen Film über New Yorker Künstler drehen.  Angekommen im Big Apple, kommt es anders als sie dachten. Es wird ein Film über Olivers unerträgliche Zwangsneurose, sein magisches Zahlensystem. Nicht ahnend , dass  es in New York ständig von Zahlen nur so wimmelt. Er steht vor einer Tür. Sein Blick fällt auf die Zahl 58.  Zufällig fährt ein Radfahrer vorbei, auf seinem Trikot die Zahl 9. Oliver bleibt wie angewurzelt steh`n. In seinem Kopf fängt es an zu arbeiten. 58 und 9. Für ihn eine Todeskombination. Sein Gehirn rattert. Er muss die Zahlen versuchen zu neutralisieren. Wenn es ihm nicht gelingt, die negativen Zahlen durch positive Zahlen zu ersetzen, verfällt er in panische Angst. Es folgt sein sozialer Tod, das heißt für ihn, er verliert alle sozialen Kontakte, das bedeutet Vereinsamung und Verelendung. Für Max keine leichte Situation. Olivers Krankheit verstärkt sich zusehends in der fremden, ungewohnten Stadt. Immer stärker macht sich Olivers Krankheit bemerkbar und wird somit immer mehr zum Mittelpunkt ihres ursprünglich gemeinsamen Films. Es sind nicht nur die Zahlen. Auch die Farbe Rot löst in seinem Hirn  Panik aus.
Was für ein Mut! Ohne Selbstmitleid gewährt der 37-jährige Oliver unfassbare Einblicke in seine Innenwelt. Auch Tom Tykwer , den die beiden in New York interviewen verrät seinen  heimlichen Zwang: Er  muss die Anzahl der Schritte festlegen, die er von der Tür zu einem Stuhl gehen darf. „ Etwa 3 Prozent der Bevölkerung leiden unter Zwangserkrankungen, aber nur jeder zehnte wird adäquat behandelt „ erklärt Eva Kischkel, Therapeutin in der Hochschulambulanz für Psychotherapie der Humboldt-Universität in Adlershof. Auch Sechting wurde jahrelang völlig falsch behandelt. Er bekam die Diagnose Schizophrenie und in dem Zusammenhang  ein Medikamentencocktail, der seine Symptome , statt zu lindern, verstärkte.  Jetzt endlich hat Sechting eine Therapeutin gefunden, bei der er zum ersten Mal in guten Händen ist. Wenn er nicht gerade vor einer Kamera steht, arbeitet Sechting als Sozialpädagoge im Lebensort Vielfalt . Er ist dort sehr beliebt. Auch die Freundschaft  zwischen Max und Oliver besteht weiterhin..  Als ich diesen bildhübschen Menschen auf der Leinwand sah, dachte ich, was für ein Glück, das er so aussieht, wie er aussieht.

IM KELLER

Es gibt Partykeller, Abstellkeller voller Gerümpel, Hauskeller mit Waschmaschinen, Gartengeräten.  Dann die üblere Version sowie Folterkeller, Keller des Missbrauchs , der Gewalt, des Versteckens. Für seinen neuen Film Im Keller hat sich der Österreicher Ulrich Seidel auf die Suche gemacht, Protagonisten zu finden, die bereit waren ihre ganz besonderen Keller zu zeigen und vor der Kamera keine Scheu hatten über ihre Vorlieben in diesen versteckten Räumlichkeiten zu plaudern. Da sieht man einen Mann, der seinen Keller dazu benutzt, Menschen das Schiessen bei zu bringen und laut und gerne Opernarien trällert. Einen Ehemann, der in seinem Keller einen besonderen Hort der Gemütlichkeit geschaffen hat. Umgeben von nationalsozialistischen Puppen und jede Menge Hitlerbildern, empfängt er seine gleich gesinnten Kumpanen, mit denen er seinem Hobby frönt, dem Spielen von Blasmusik. Widerlich! Dann sehen wir das Ehepaar Manfred und Inge Ellinger, deren Keller mit zahlreichen ausgestopften Jagdtrophäen bestückt ist. Wir erleben die spiessige Ehefrau  samt Ehemann, der ihr Sklave ist, genannt das Schwein und wenn er nicht folgsam genug ist, dann ab in den Folterkeller, wo sie ihm Gewichte an die Hoden hängt und der Olle vor Schmerzen stöhnt und jammert. „Danke Herrin“. Splitterfaser nackt, leckt er vor Seidels Kamera die Kloschüssel aus  und  noch so einige unappetitliche Dinge, die ich hier gar nicht wiedergeben möchte. Frank und frei berichtet eine ältere Frau  von ihren abartigen sexuellen Vorlieben, die Frau Sabine aus Wien, scheut sich nicht im Geringsten, nackt vor der Kamera zu posieren. Dann gibt es einen Mann, der voller Stolz berichtet, das die Weiber auf ihn steh`n, weil er er die seltene Gabe besitzt, beim Verkehr eine riesen Ladung Samen ab zu spritzen, der gegen die Scheidewände der Frauen klatscht. Oder die biedere Hausfrau, die heimlich in den Keller schlurft und ihre Puppen aus gestapelten Kartons holt und schwachsinnig mit ihnen spricht. Puppen, die aussehen, wie echte totgeborenen Babys. Widerlich! Ansonsten begegnet man noch einigen fetten Nutten, die ihrem Gewerbe in irgendwelchen Kellern nachgehen. Will man das sehen? Eigentlich nicht. Hier werden Menschen vorgeführt, besser gesagt, sie führen sich selber vor , denn sie wurden bestimmt nicht gegen ihren Willen vor die Kamera gezerrt. Ich war beim Zuschauen hin und her gerissen zwischen Mitleid  und Entsetzen , wurde unfreiwillig zum Voyeur degradiert und sah Menschen zu, mit denen man  außerhalb der Leinwand nichts zu tun haben möchte. Herr Seidel, muss das sein?

EINE TAUBE SITZT AUF EINEM ZWEIG UND DENKT ÜBER DAS LEBEN NACH

Eine Taube sitzt auf einem Zweig und denkt über das Leben nach. Was für ein niedlicher Titel. Vielleicht ein Film über das beschwerliche Leben einer Großstadttaube. Nein, weit gefehlt. Es handelt sich um den letzten Teil einer Trilogie des schwedischen Regisseurs Roy Andersson. In jahrelanger Arbeit schuf er in seinem Studio 24 ein beeindruckendes Setting  an Räumlichkeit, in denen sich seine skurril benehmenden Protagonisten vor einer starren Kamera bewegen und artikulieren. Dafür erhielt er den goldenen Löwen in Venedig. Gratulation! Er entführt uns in eine grau-beigefarbene Welt von Traurigkeit, Macht und Ohnmacht. Seine Bildsprache erinnert an die Bilder Edward Hoppers. Die Gesichter dieser schlafwandlerischen Existenzen, bleich und pudrig geschminkt, wie mit Mehl bestäubt, erinnern in ihrer lethargischen Haltung an Zombies, denen jegliche Freuden abhanden gekommen ist. Zusammen gehalten werden die einzelnen Szenen von zwei Scherzartikelverkäufern, Sam und Jonathan, zwei glücklose Kreaturen, die Spaß verkaufen wollen und müssen, denn eigentlich sind sie pleite. Im Gepäck Vampirzähne, Lachsäcke und  eine grotesk anmutende Monstermaske. Ein erbärmliches Unterfangen. Sie nehmen uns mit auf eine Reise der unterschiedlichsten Begegnungen in einer beinahe unwirklichen Welt. Es sind Szenen wie aus dem absurden Theater, Episoden, wie sie das Leben nun mal schreibt. Eine nachdenklich stimmende cineastische Geisterbahnfahrt. In diesem gerade begonnenen Jahr, mein bisheriger Lieblingsfilm.

UNBROKEN

Als Angelina Jolie  ihr Regiedebut IN THE LAND OF BLOOD AND HONEY  2012 auf der Berlinale vorstellte, bediente sie eher den europäischen Markt. Das kann man von UNBROKEN nun nicht mehr behaupten. Ihr zweiter Film tropft nur so von Patriotismus. Es ist die wahre Geschichte des Louis Zamperini, 1917 als Sohn italienischer Einwanderer in den USA geboren. Als Schüler , verhöhnt und verspottet, widmet er sich dem Boxtraining. Auf Anraten seines älteren Bruders, tritt er in das Leichtathletik-Team seiner Schule ein. Das macht sich für Zamperini durchaus bezahlt. Verbissen qualifiziert er sich für die Olympischen Sommerspiele 1936 in Berlin. Als jüngster Teilnehmer beim 5000 Meter-Lauf, rennt er als achter durchs Ziel. Adolf Hitler gratuliert ihm höchstpersönlich. Zurück in den USA, landet er bei der Air Force. Sein Flugzeug stürzt in den Pazifischen Ozean. Er und zwei seiner Kameraden können sich retten und treiben 47 Tage in einem Schlauchboot auf dem Meer herum. Brennende Sonne, Hunger, Durst, Haie. Parole: Halte durch, dann kommst du durch! Völlig erschöpft treibt das Boot auf die Marshall Inseln zu. Von japanischen Truppen werden sie in Gefangenschaft genommen. Ausgerechnet Zamperini wird das Opfer eines japanischen Lagerkommandanten von androgyner Schönheit. Er übersteht  Folter, beschämende Demütigungen und Zwangsarbeit der übelsten Art. Watanabe ( Miyavi ) zwingt die amerikanischen Mitgefangenen Zamperini ( Jack O´Conell) mit der Faust ins Gesicht zu schlagen. Er muss einen schweren Holzbalken stundenlang mit erhobenen Armen halten. Sollte er versagen, droht Watanabe mit sofortiger Erschießung. Die Kamera immer ganz dicht dabei. Bei der Pressekonferenz behauptete Frau Jolie, dass die sadistischen Oualen, die er erleiden musste, noch weitaus schlimmer waren, als die, die sie in ihrem Film zeigt. Ich habe lange überlegt, warum ausgerechnet er. Es kann eigentlich nur eine homoerotische Motivation des Lagerkommandanten zu diesen Quälereien dahinter stecken. Frei nach dem Motto: Es kann nicht sein, was nicht sein darf. Und diese unerfüllte Obsession  entlud sich in puren Hass. Leider kam es nicht mehr dazu, diese Frage an Angelina Jolie zu richten. By the way, alle Schauspieler sind bildschön und können jeden Modelcast bestehen. Was der Film nicht mehr zeigt: Zamperini litt nach seiner Heimkehr jahrelang unter seelischen Qualen Mit Hilfe des Predigers Billy Graham fand er die Kraft nach Japan zu reisen , um zu vergeben. Fazit: Ein durch und durch amerikanisches Heldenepos. Herstellungskosten 65 Millionen Dollar, bis jetzt eingespielt über 100 Millionen und das bei einem US-Start in der Weihnachtszeit. Der tapfere Kriegsveteran Louis Zamperini starb im letzten Sommer im Alter von 97 Jahren.

–Start: 15.01.2015

DER GROßE TRIP – WILD

Erst Harpe Kerkeling, dann Cheryl Strayed! Beide packten ihren Rucksack und begaben sich auf eine tagelange Wanderschaft und machten einen Bestseller daraus. Er auf dem berühmten Jacobsweg, sie auf dem Pacific Crest Trail der durch eine endlose, einsame Wildnis im Westen der USA führt. Reese Witherspoon kümmerte sich mit ihrer Produktionsfirma um die Filmrechte und machte sich höchst persönlich auf diese beschwerliche Tour und schlüpft somit in die Rolle der Cheryl. Oh mein Gott, was für ein Abenteuer. Keine Ahnung was für ein kräftezehrendes Martyrium auf sie zukommt. Der Rucksack viel zu groß, voll gepackt bis oben hin. Die kleine schmächtige Person kann das sperrige Ding kaum tragen. Egal, bloß weg. Der Weg ist das Ziel. Der plötzliche Krebstod ihrer heiß geliebten Mutter ist zu viel an Schmerz.. Auch sonst war ihr Leben nicht gerade rosig. Ihr Vater, ein zur Gewalt neigender Alkoholiker, verließ die Familie. Ihre eigene Ehe ging in die Brüche, sie rutschte ab in Drogenkonsum und Prostitution. Nicht gerade das, was man sich als kleines Mädchen wünscht. In kurzen Rückblenden erfährt man ihr Schicksal und begreift, warum sie diesen beschwerlichen Selbstfindungstrip auf sich nimmt. Als Zuschauer leidet man förmlich mit. Man meint die körperlichen Schmerzen zu fühlen, wenn sie mit blutenden Füßen tapfer weiter läuft. Drei Monate dauert diese Trekkingtour. Hitze, Hunger , Durst sind ihre „ Begleiter“. Drehbuchautor Nick Hornby, dessen Handschrift schon für den wunderbaren Film „An Education“ verantwortlich war, schrieb auch hier das kitschfreie Drehbuch. Jean – Marc Vallée, führte schon in „Dallas Buyers Club“ seine Schauspieler hervorragend, treibt auch hier Reese Witherspoon zu einer außerordentlichen  Höchstleistung an. Nicht nur Ihr Rucksack wird immer leichter, auch ihre angeknackste Seele findet wieder ihr Gleichgewicht.
„Ich würde noch mal alles so machen in meinem Leben“. Das sind die letzten Worte der Cheryl Strayed bevor der Vorhang fällt. Die beeindruckenden Landschaftsaufnahmen erinnern stark an Sean Penns Wildnis Abenteuer „ Into the Wild“.

Start: 15.01.2015

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PADDINGTON

Die beliebte Kinderbuchfigur, der kleine Bär Paddington, erobert jetzt auch die große Kinoleinwand. Weil es in seiner Heimat, dem „finsteren Peru“, ein starkes Erdbeben gab, und einige seiner Angehörigen umgekommen sind, macht sich der Kleine mutterseelenallein auf den Weg nach London. „ Bitte kümmern Sie sich um diesen Bären“. Fürsorglich hängt seine zurückbleibende alte Tante ihm ein Schild um den Hals. Es ist nicht der Honig, den der kleine drollige Bär am liebsten mag, nein es ist die köstliche englische Orangenmarmelade. Und so packt er sein Köfferchen voll mit Marmeladengläsern und macht sich als blinder Passagier auf nach England.

Er schafft es bis zur U-Bahnstation Paddington. Die Menschen hasten an ihm vorbei und niemand kümmert sich um ihn. Doch da . . . eine Familie wird auf ihn aufmerksam und nimmt ihn erst mal mit nach Hause. Und weil sie seine Bärensprache nicht sofort verstehen, geben sie ihm den Namen Paddington. Nun kann man sich vorstellen, dass so ein Bär, der aus der freien Wildbahn kommt, es gar nicht leicht hat, sich der städtischen Zivilisation anzupassen. Und dann gibt es da ja auch noch die böse Tierpräparatorin Millicent, die Jagd auf ihn macht.

Den kleinen Kerl mit seinem roten Hut, seinem blauen Dufflecoat und seinem Köfferchen zu begleiten, macht einen Riesenspaß. Oma und Opa, Mutti und Vati und natürlich die lieben Kleinen . . . garantiert langweilt sich keiner. Ganz nebenbei schafft Paddington es mit seiner Anwesenheit in der Familie Brown, dem eingefahrenen Alltag wieder neuen Schwung zu verleihen. Auch eventuell verschüttete Toleranz wird wieder zum Leben erweckt. Paddington ist zum knuddeln süß!
Mit Hugh Bonneville, Sally Hawkins und Nicole Kidman ist dieser „ Mix aus Real-und Animationsfilm“ auch noch prima besetzt.

DIE ENTDECKUNG DER UNENDLICHKEIT

Stephen Hawking ist ein Student wie so viele andere auch. Ein bisschen linkisch, ein bisschen schüchtern. An der renommierten Cambridge University befasst sich dieser hoch intelligente junge Mann mit Naturwissenschaften und Physik. Ganz besonders interessiert er sich für das Phänomen der Zeit und dem Ursprung des Universums. Auf einer Tanzveranstaltung lernt er die junge Studentin Jane Wilde kennen. Beide verlieben sich ineinander.

Stephen läuft über den Campus, taumelt, stürzt, knallt mit dem Kopf auf den Boden. Im Krankenhaus lautet die Diagnose ALS = Amytrophe Lateralsklerose. Eine üble Nervenkrankheit. Die Signale zwischen Hirn und Muskeln werden nach und nach unterbrochen. Die Muskeln werden schwächer und schwächer, bis zur völligen Lähmung. Nur das Hirn bleibt intakt. Die Ärzte sprechen von einer Lebenszeit, nicht länger als zwei Jahre. Wieder zu Hause, bekommt Stephen einen verzweifelten Weinkrampf, glaubt er doch, dass sich seine Freundin unter diesen Voraussetzungen von ihm trennen wird. Doch die junge Jane hält zu ihm, die beiden heiraten und sie bekommen drei gesunde Kinder. Regisseur James Marsh legt in diesem Biopic sein Augenmerk auf diese unglaubliche Liebesgeschichte. 25 Jahre hält diese ungewöhnliche Ehe. Der Zuschauer erlebt ein bewegendes Drama über einen brillanten Mann und einer tapferen Frau, die es über einen derart langen Zeitraum schafft, ihm liebevoll zur Seite zu stehen. Wer kennt ihn nicht, diesen schmächtigen Mann, der krumm und schief in seinem Rollstuhl hockt, die Sprache verloren hat und trotz dieses furchtbaren Gebrechens zu einer Geistesgröße aufgestiegen ist. Sein Bestseller, Eine kurze Geschichte der Zeit, wurde weltweit millionenfach verkauft.

Wie das Schicksal so spielt, verliebt sich Jane in den Kirchenchorleiter des Ortes. Er geht bei der Familie ein und aus und hilft auf rührend einfühlsame Weise, als Hawkings Krankheitszustand sich immer mehr verschlechtert. Auch Hawking verliebt sich noch einmal. Elaine, eine flotte rothaarige, humorvolle Pflegerin hilft ihm den Sprachcomputer zu bedienen. Sie ist mit ein Grund für die endgültige Trennung.

Eddie Redmayne spielt die Rolle dieses geistreichen „Krüppels“ mit einer solchen Intensität, die einen nach kurzer Zeit vergessen lässt, dass da ein Schauspieler agiert. Wenn man bedenkt, dass , die einzelnen Szenen nicht mit einer Klappe im Kasten sind, sondern  einige Male wiederholt werden und er immer wieder diese verkrümmte Haltung bis in die Fingerspitzen einnehmen muss,  den  Kopf verdreht ans Polster gelehnt, was für eine Konzentration! Humor und eiserne Willenskraft sind Hawkings Waffe, sich von der Krankheit nicht unterkriegen zu lassen. Auch die Rolle der Jane, gespielt von Felicity Jones verlangt schauspielerisches Können. Ehefrau, Mutter, Pflegerin in einer Familie, in die man nicht unbedingt tauschen möchte.“ Ich liebe ihn und er mich, das ist die Antwort eines jungen Mädchens, als Stephens Vater ihr nach der Diagnose nahe legt, sich zu trennen.

DAS VERSCHWINDEN DER ELEANOR RIGBY

Was für ein fröhliches Paar! Eleanor und Conor. Wir erleben die beiden beim Zechprellen und unbeschwerten Herumtollen im Park . . . Schnitt. Eleanor Rigby stellt ihr Fahrrad ab, springt von der Brücke in den reißenden Fluss. Schnitt. Eleanor im Krankenhaus. Sie wird entlassen und kehrt heim in ihr Elternhaus.

Regisseur Ned Benson`s Kinodebut erzählt die Geschichte des Paares ursprünglich aus zwei Perspektiven in einem Doublefeature: The Disapperance of Eleanor Rigby: Him und The Disapperance of Eleanor Rigby: Her. Was wir jetzt im Kino sehen ist der Zusammenschnitt beider Filme.

Was ist passiert…..Conor und Eleanor haben ihr Baby verloren. Beide trauern auf unterschiedliche Art. Eleanor sucht Schutz in ihrem Elternhaus. Ihre Mutter (Isabelle Huppert), rotweintrinkend und kettenrauchend, verkörpert die typische Französin. Sie quält ihre Tochter nicht mit bohrenden Fragen, der Vater (William Hurt) leidet still. Eleanor beschließt, ihr Studium wieder aufzunehmen. Conor betreibt ein Restaurant, was aber nicht so gut läuft. Auch er zieht für eine Weile wieder bei seinem Vater ein. Für Conor ist Eleanor wie vom Erdboden verschluckt. Die ungeheure Last ihrer persönlichen Tragödie führt zu einer bitter-traurigen Kommunikationslosigkeit, da die Trauer zwischen Mann und Frau total unterschiedlich ist. Sie wissen einfach nicht mehr, wie sie miteinander sprechen sollen. Conors hilflose Versuche, Eleanor aufzuspüren, veranlassen Eleanor sich immer weiter zu entfernen. Sie versucht loszulassen, er läuft ihr hinterher, sie läuft vor ihm weg. Später gesteht sie ihm: Ich war auf diese Gefühle nicht vorbereitet. Eine der berührenden Szenen ist, als ihr Vater eine Begebenheit aus ihrer Kindheit erzählt.

Es ist diese verdammte Sprachlosigkeit, die das Zusammenleben zwischen Menschen oft so schwierig macht und dadurch zu ungewollten Missverständnissen führt. Die großartige Jessica Chastain verkörpert die Rolle der Eleanor auf so zerbrechliche Art und Weise, dass einem die Tränen in den Augen stehen. Auch mit der Wahl des Schauspielers James Mcavoy hat Benson einen guten Griff getan. Man glaubt es kaum, dass der 2013 in Drecksau einen widerlichen Fiesling so überzeugend gespielt hat, dass einem fast übel wurde. Ob beide es schaffen, sich wieder in eine gemeinsame Richtung zu bewegen, soll hier nicht verraten werden. All the lonely people, where do they all belong . . . der Song der Beatles kommt nicht einmal vor aber  die bittere  Traurigkeit und Einsamkeit dieses Liedes  Eleanor Rigby ist  in fast jeder Szene dieses behutsam inszenierten  Films über eine verlorene Liebe spürbar. Wie sagt ihr Vater an einer Stelle: Tragödien sind wie fremde Länder. Wir wissen nicht, wie man mit den Einheimischen spricht. Benson: Jeder will helfen, aber niemand hat letztlich die geeigneten Mittel dazu.

DRAGAN WENDE-WEST BERLIN

Arschloch oder Unikum? Ick entscheide ma für Unikum. Dragon Wende, Sohn jugoslawischer Gastarbeiter, hat sich im alten West-Berlin so richtig wohljefühlt. Der Kleenkriminelle Barmann und Türsteher konnte mit seinem jugoslawischen Pass munter zwischen Ost – und Westberlin hin und her pendeln. Die Taschen voller Westjeld war der kleene Mann der King im Osten. Nebenbei wurde so manchet krumme Jeschäft jetätigt. Als de Mauer fiel war det der absolute Hasstag für Dragan und seine Kumpel. Die anjesagten Diskotheken seines Freundes Rolf, der olle Eden, machten nach und nach dicht. Also konnte Dragon keene grosse Lippe mehr riskieren.

Sein Neffe, der Kameramann Vuk  Maksimomovic hat seinen verbitterten Onkel mit der Kamera begleitet. Herausjekommen is det Porträt eines Mannes, der über det alte Westberlin berichtet, mal urkomisch, mal bitter enttäuscht. Sein Zuhause ist am Ku-Damm , wo er in eener kleenen Wohnung haust und seine Freund empfängt, die  ooch  sone bizarren Typen sind, die sich im alten Westberlin zuhauf tummelten.

NIGHTCRAWLER

Man nennt sie Nightcrawler. Nacht für Nacht sind sie unterwegs. Immer auf der Jagd. Autounfälle, Messerstechereien, Morde. Je blutrünstiger, desto interessanter. Die Konkurrenz schläft nicht. Man muss liefern. Filme und Fotos werden für viel Geld an die Nachrichtenstationen verkauft. Alles muss rasend schnell passieren.

Louis Bloom ( Jake Gyllenhaal ) verlässt seine spartanische Behausung. Treibt sich herum, verschafft sich Zugang auf ein verbotenes Gelände . . . Ein ganz und gar nicht zimperlicher Wachmann verweist ihn des Grundstücks. Da fällt Louis Blick auf dessen teure Uhr. Er schlägt ihn zu Boden und die Uhr wechselt den Besitzer. Ziellos treibt er durch die Nacht. Wird Zeuge eines Unfalls, schnüffelt am Unfallort herum, beobachtet die Crawler und weiß genau, was er in Zukunft zu tun hat. Die Faszination von Blut und Tod in den nächtlichen Straßen von L.A. lässt ihn nicht mehr los. Akribisch bereitet er sich vor. Von dem ersten Geld tauscht er seine alte Karre in ein Luxusauto. Sein Equipment wird professionell. Er stellt einen Beifahrer ein.

Gyllenhaal hat sich für diese Rolle optisch total verändert. 15 Kilo abgenommen, die Haare streng zurück gekämmt, das Gesicht abgemagert. Seine Körpersprache ähnelt der eines Wolfes. Immer auf der Lauer. Großartig! Er umgarnt die Chefin einer Nachrichtenagentur derart hinterlistig charmant, dass einem fast übel wird. Er schafft, es die Karriereleiter immer höher zu klettern, Nina, die Chefin kann es kaum erwarten sein Material zu sichten. Immer näher geht er an die Opfer heran, je blutrünstiger sein Material, desto besser. Seine Vorgehensweise nimmt immer stärkere psychopathische Züge an. Er geht buchstäblich über Leichen. Für ihn hat es sich gelohnt. Seine Konkurrenten hat er ausgeschaltet. Das Spiel mit den niederen Instinkten, dem skrupellosen Voyeurismus, der Gier nach Geld und Ruhm hat er blendend unter Kontrolle. Ein Selfmademan par exellance.

Ein umwerfender Mix aus Psychokrimi und Satire!

ICH.DARF.NICHT. SCHLAFEN.

Alle Erinnerungen sind gelöscht. Vor zwanzig Jahren hatte Christine (Nicole Kidman) einen Autounfall. Seitdem wacht sie jeden Morgen panisch auf. Sie schaut in den Spiegel, erkennt sich nicht. Wer ist der Mann neben ihr im Bett? Geduldig erklärt ihr Ben Lucas (Colin Firth) jeden Tag aufs Neue, er sei ihr Ehemann und dass sie an einer schweren Amnesie leide und Nacht für Nacht alles über sich und ihr damaliges Leben vergisst. Dr. Nash (Mark Strong) ein Neurologe nimmt sich ihrer an und therapiert sie heimlich hinter dem Rücken ihres Mannes. Doch wie kann man einem Menschen trauen, wenn man nicht weiß, wer er ist. Wie lebt es sich, wenn die Erinnerung gelöscht ist? Der anfänglich spannende Thriller, kammerspielartig inszeniert, geht auf derart existentielle Momente so gut wie gar nicht ein. Das Ende wird kitschig und ein horrormäßiges Blutbad hätte man sich schenken können. Ich hätte mir eine Schauspielerin gewünscht, deren Mimik dem Spiel mehr Ausdruck verliehen hätte.

Dennoch gelingen Regisseur Rowan  Joffé   spannende Momente, aber insgesamt bleibt die konstruierte Geschichte zu vage und schrammt an einem intelligenten Thriller vorbei.

GET ON UP

Ach waren das noch Zeiten, als man auf die Tanzfläche raste. Little Richard, Bill Haley( Rock Around The Clock), und natürlich James Brown( Sex Machine). Das war Rock and Roll pur. Brown, einer der größten Performer seiner Zeit galt als Vorbild für so einige Gruppen, die es ohne ihn vielleicht nicht gegeben hätte. So liegt es auf der Hand, dass Mick Jagger einen Spielfilm über dieses Musikgenie produziert hat. Trotz einer erbärmlichen Kindheit, schafft er es mit eiserner Disziplin zum „ Godfather of Soul“ zu werden. In frühster Kindheit von der Mutter verlassen, blieb der kleine Junge bei dem Prügelnden Vater zurück, gezeichnet von bitterer Armut. Lange hält er es nicht aus, geht zu seiner Tante, die ein lukratives Bordell führt. Als er im Gefängnis landet, trifft er auf den Gospelsänger Bobby Bird. Der erkennt sein Gesangstalent und bestärkt den jungen James nach seiner Entlassung unbedingt eine Musikerkarriere an zu streben. Der Film zeigt seine triumphalen Erfolge, sowie die bittere Wahrheit seiner Drogensucht und Gewalttätigkeit. Es wundert nicht, denn die grausame Kindheit hinterlässt ihre Spuren. Legendär sein friedenstiftendes Konzert am 05.April 1968 in Boston, nach der Ermordung Martin Luther Kings. Die Atmosphäre stand auf Messer`s Schneide. Dank Brown`s Besonnenheit kam es nicht zur Eskalation. Gott sei Dank konzentriert sich die Story überwiegend auf seine spektakulären Auftritte mit seiner Band und rückt seine Persönlichkeit als Entertainer in den Vordergrund.

Chadwick Bosemann`s Performance als James Brown ist genial. Er erweckt James Brown buchstäblich zum Leben. Wer den ekstatischen Sänger nicht kennt, versteht nach diesem Film, warum er eine Legende ist. Unbedingt die Originalfassung anschauen. Musikalisch ein Knaller!

JACK

Jack ist zehn Jahre alt. Er macht den Haushalt, kümmert sich um seinen kleinen Bruder, macht das Essen, geht zur Schule. Sanna, seine Mutter ist jung, sehr jung. Sie meint es gut mit ihren Kindern. Sie ist überfordert, mit sich selbst beschäftigt, begreift nicht, was sie tut. Jack landet im Heim. Endlich Ferien. Voll freudiger Erwartung packt er seine Sachen. Gleich kommt die Mutter und holt ihn. Sie kommt nicht und ist auch nicht zu Hause. Mit seinem kleinen Bruder durchstreift er die Stadt und sucht nach seiner Mutter. Ohne Geld und ohne Essen. Tagelang ziehen beide durch die Stadt, auf den Spuren der Mutter. Sie laufen und laufen . . .

Auch hier muss man den Castern und dem Regisseur Edward Berger ein großes Lob aussprechen. Mit Ivo Pietzcker, 2002 in Berlin geboren, haben sie einen Darsteller gefunden, der den Film von der ersten bis zur letzten Minute trägt. Er steht zum ersten Mal vor einer Kamera. Auch dieses Gesicht wird man nicht so schnell vergessen. Seine Ernsthaftigkeit, Verletzlichkeit, Traurigkeit, kurz unterbrochen von Momenten der Freude, spiegeln sich großartig in seiner Mimik wieder.
Vorwurf einiger Kritiker, es wird endlos lang gezeigt, wie die Brüder durch die Stadt irren. Gerade das berührt, der Kleine an der Hand des Großen, müde und erschöpft, ein Nachtlager suchend, hungrig. Dank der beiden Kinder, auch der Kleine spielt sehr berührend, ist dieser Film durchaus sehenswert.

Ulrike Schirm